Dentro e fora dos espaços altos da Fundação Louis Vuitton em Paris, tudo está em flor. “Lembre -se de que eles não podem cancelar a primavera”, lê uma placa de néon rosa acima da entrada do museu – uma frase esperançosa que o artista inglês David Hockney enviou a seus amigos, juntamente com um desenho de narcisos, durante a pandemia de coronavírus.
A exposição da Fundação, “David Hockney 25”, é a maior do pintor até o momento. Embora seu título indique um foco em seus mais recentes 25 anos de trabalho, parece uma visão geral de toda a sua carreira. É uma visão alegre e um registro de uma vida na arte viveu com curiosidade apaixonada, atenção à condição humana e reverência pelo mundo natural.
Nascido em 1937 em Bradford, uma cidade industrial no norte da Inglaterra, Hockney começou a pintar em tenra idade e impressionou os moradores com um retrato de 1955 de seu pai. A pequena tela, composta e pintada em tons suaves, está muito longe dos enormes obras de cor estridente que vieram definir a obra de Hockney. Mas isso chega a uma humanidade meticulosa, capturada na expressão de alerta de seu pai, com as mãos apertadas e sua postura energética.
Este trabalho abre a exposição, cujos dois primeiros quartos levam os espectadores através da evolução rápida e francamente surpreendente de Hockney como pintor. Trabalhos que ele fez em Londres, durante o final dos anos 50 e início dos anos 60, estilos e estéticos com abandono. Mingles pop com europeu no pós -guerra “Art Informel”; Graffiti e colagem se desviam em críticas surrealistas de domesticidade.
Mesmo quando a homossexualidade era ilegal na Grã -Bretanha (foi descriminalizada para homens com mais de 21 anos em 1967), Hockney pintou as relações entre homens. “Berlim: uma lembrança” (1962) mostra uma abstração hedonista de figuras masculinas – nua, em silhueta, prestes a abraçar – mesclagem e indistinta como formas. “Dois homens no chuveiro” (1963) e “Garoto prestes a tomar banho” (1964) mostram seus súditos em momentos íntimos, corpos nus prestados em tons de carne impressionista, como se fossem coloridos por emoção ou desejo.
Quando ele morava em Los Angeles, de 1964 a 1998, Hockney produziu alguns de seus retratos mais conhecidos: pares românticos, interiores eróticos e cenas ao ar livre pintadas com clareza, banhadas na luz suave da Califórnia. Uma pintura de 1968, “Christopher Isherwood e Don Bachardy”, mostra o escritor Isherwood e seu parceiro em poltronas combinando. A cabeça de Bachardy está voltada para Isherwood, em uma cena de impressionante tranquilidade que mistura figuras frouxamente pintadas com um ambiente detalhado.
“Um respingo maior” (1967) tem a mesma planicidade sedutora e a paleta de Los Angeles, mas aqui a figura desapareceu e vemos apenas sua esteira. Um spray gigante de água sobe da superfície plácida de uma piscina azul. Nunca vemos quem mergulhou apenas segundos antes.
A essência do trabalho de Hockney é a tentativa de capturar a força animadora da vida – nos rostos de amigos e entes queridos, ou em uma árvore florescente, mudando a estação ou o céu noturno. Pouco antes da virada do século, Hockney voltou para o condado de Yorkshire, onde cresceu. Ele ficou por um pouco mais de uma década, virando os olhos para o familiar e inesgotável paisagem de sua infância. Nessas pinturas, as colinas rolam, as estradas torcem e giram, as árvores derramam e brotam folhagem, os campos são dourados e os retalhos de Russet, ilumina as florestas densas em carmesim e fúcsia sobrenatural.
Uma série de pinturas de árvores de espinheiro em Blossom mostra as flores que surgem em massas densas e rugindo, derramando ao longo da beira da estrada. Um texto de parede para “Hawthorn Blossom perto de Rudston” (2008) descreve a obsessão de Hockney pela floração anual do Hawthorn, que chega imprevisivelmente em um momento em que ele chama de “semana de ação”. Na sua aparição a cada ano, não importa onde ele estivesse na época, o artista largava tudo para retornar a Yorkshire e pintar a abundante flor branca, espumante, disse Hockney, como “champanhe derramou tudo”.
Apesar de seus cenários britânicos, os tons de outro mundo e as linhas de obras como “árvores derrubadas”, “árvores maiores perto de Warter” (ambos 2008) e “Untitled No. 2 (a chegada da primavera) (2011), lembre-se do pós-impressionismo de Vincent van Gogh, ou o simbolismo de Maurice Denis. Ambos os artistas, como Hockney, acreditavam que a natureza possuía inspiração infinita, e que qualquer visão única se mantém dentro dela em todo o mundo: é preciso simplesmente olhar.
Uma sala de retratos pendurados no estilo salão apresenta a figura humana como igualmente atraente. As paredes estão repletas de rostos e formas pintados em estilos extremamente diferentes, um testemunho do alcance de Hockney, bem como sua sensibilidade. Em “Charlie Scheips” (2005), o sujeito, um curador americano, se inclina casualmente contra uma parede, as linhas de seu corpo pintadas energicamente com uma qualidade realista de Alice Neel. “Margaret Hockney, 14 de fevereiro de 2013”, mostra a irmã de Hockney, esboços cuidadosamente em carvão. O próprio artista vá para nós de “Auto -retrato, 20 de junho de 2022”, costumam ser estiques e vestidos com trajes chamativos, um sorriso irônico no rosto como se dissesse: “Eu ainda estou aqui”.
A atenção luxuosa de Hockney à superfície e aos detalhes faz a transição da exposição para suas muitas “pinturas no iPad”, seus desenhos de computador impressos no papel e seus desenhos 3D estranhamente concebidos.
Uma coleção de 220 trabalhos de iPad chamada “Four Years in Normandia” (2019-23) é a mais persuasiva: uma sala de impressões grandes e pequenas, além de telas com imagens em mudança, aproveitar a inquietação dos anos de bloqueio pandemia e mostra Hockney trabalhando em Great Speed En Plein-Air. Uma grade de 15 auto-retratos de 2012 também está afetando-um lembrete de que o eu também é incansavelmente fluido.
Em outras partes do show, o uso da tecnologia de Hockney parece aleatório, na melhor das hipóteses, ou preguiçoso, na pior das hipóteses, mesmo porque a maior parte de seu trabalho é considerada e requintada.
Um trio de “desenhos fotográficos” de 2018 é efetivamente experimentos no Photoshop. Cada um mostra uma grande sala cheia de pessoas sentadas ou em pé, às vezes conversando, às vezes perdidas na contemplação. O processo tecnológico usado para modelar cada figura, diz um texto de parede, nos obriga a observá -los mais de perto, “ao contrário da fotografia tradicional”. Outro texto, para um vídeo de folhagem na estrada feita com várias câmeras, compara o trabalho aos estudos botânicos de Dürer. Talvez. Ou talvez não.
Mas ao lado dessas incursões, Hockney ainda está, felizmente pintando. A exposição termina com uma série de novos trabalhos inspirados em Edvard Munch e William Blake, ambos pintados de visões transcendentes do mundo. “Jogue em uma peça em uma peça e eu com um cigarro” (2025) mostra Hockney em seu jardim de Londres. Ele está trabalhando duro em uma versão da própria imagem que vemos diante de nós. Embora as árvores ainda estejam vazias, os narcisos, à sua esquerda, estão florescendo. Deve ser primavera.
David Hockney 25
Até 31 de agosto na Fundação Louis Vuitton, em Paris; Fondationlouisvuitton.fr.
