Martin Wong entrou com os escritores de graffiti no início dos anos 80 na Pearl Paint, a Long Gone Canal Street Art Supply Store, onde ele tinha um emprego no departamento de tela. Wong lançava marcadores ou latas de tinta spray ou vendiam suprimentos com descontos profundos e não autorizados, o que o agradou a artistas em momentos cruciais de suas carreiras. O pintor Lee Quiñones lembra Wong escrevendo faturas de US $ 20 para lençóis com qualidade de retrato, ao preço de US $ 400.
Wong logo começou a comprar o trabalho de Quiñones e o de pintores com idéias semelhantes como Daze, Sharp e A-One-artistas que estavam se afastando de trens com grafite e desenvolvendo práticas de estúdio. Ao fazê -lo, ele nutriu o desenvolvimento deles e se tornou um patrono construtivo: um Cosimo de ‘Medici do conjunto de aerossol. Sua coleção é destacada em “acima do solo”, uma exposição pequena, mas essencial, no Museu da Cidade de Nova York.
Em 1994, Wong acumulou mais de 300 obras de arte e outras mídias, todas as quais ele doou ao museu naquele ano. À medida que o interesse no movimento moderno do grafite e em suas reverberações diáspantes cresceu, a convicção de Wong se mostrou conseqüente, sua coleção funcionando como um repositório. Peças dele foram emprestadas a grandes pesquisas institucionais, como “Escrevendo o futuro: Basquiat e a geração de hip-hop”No MFA Boston e“Arte nas ruasNo Museu de Arte Contemporânea de Los Angeles, programas que aprofundaram a bolsa desse período anteriormente difamado e incompreendido.
Outsiders estavam quentes em graffiti ao mesmo tempo que Wong, mas nenhum tinha um interesse mais ardente ou permanente. Ele reconheceu o que era uma forma irredutível de expressionismo americano e sua importância na história de Nova York, mesmo que a cidade fosse hostil em relação a ela.
Wong tinha 32 anos quando chegou a Nova York de São Francisco em 1978 e foi atraído imediatamente para as camadas barrocas de etiquetas espalhadas pelas superfícies da cidade. A própria arte de Wong, um realismo urbano que sintetizou detalhes documentaristas e devoção romântica (nenhum artista soou mais atenção em tijolos), tinha pouca sobreposição técnica, mas compartilhava um parentesco simpático. Suas pinturas se referiam à rua e, invariavelmente, também se referiam ao grafite. Ele reproduziu as quadras de handebol marcadas do Lower East Side e os edifícios em ruínas em ruínas como opressivos, mas amolecidos, banhados em um elenco sombrio que pode parecer devaneio em êxtase.
Wong parece nunca ter tentado uma etiqueta, embora houvesse outras afinidades. Ele se formou em cerâmica, mas era um pintor amplamente autodidata, e provavelmente apreciava a similaridade dos escritores de graffiti. Havia um interesse sobreposto na linguagem; Apesar de não ser surdo nem mudo, Wong aprendeu e praticou a linguagem de sinais americana. Seus sinais de mão arrumada arrumada pontuam o realismo de suas cenas, não muito diferente do sistema de escrita alternativo das formas de carta de Graffiti.
Mas talvez acima de tudo, Wong fosse sensível à alteridade e à escassez. Um gay chinês americano, Wong certamente reconheceu em grafite-uma arte inventada por crianças nas comunidades marginalizadas da cidade e periferias esquecidas-uma versão de si mesmo.
A amplitude da coleção de Wong convida muitas interpretações. “Acima do solo”, com curadoria de Sean Corcoran, é a segunda exposição que o Museu da Cidade de Nova York esculpiu. “City como Canvas”, de 2014, foi o primeiro e, como testemunho da abundância da coleção de Wong, a nova exposição inclui quase nenhuma sobreposição. Enquanto a “cidade como tela” teve como objetivo fornecer uma cartilha sobre o surgimento de graffiti e justificar sua arte, essa nova iteração leva essas idéias como uma questão de claro.
“Acima do solo” abre com uma atualização compactada na década de 1970, os esforços organizadores de tripulações como os grafiteiros Unidos, que pintaram ao vivo durante o Joffrey Ballet Performance de Twyla Tharp, e o ESSES Studio, que deu a muitos escritores de metrô sua primeira exposição à tela. A exposição então se torna uma análise profundamente ajustada dos avanços da década de 1980 (o período crucial do abraço do graffiti pelo sistema de galerias), a mudança da forma da expressão bruta para a mercadoria e as rupturas estilísticas que floresceram.
Inclui trabalho de nomes familiares como Futura e Haze (que também é responsável pelo design gráfico da exposição e pelo friso tocando as janelas do clerestory da galeria), mas também, felizmente, artistas menos conhecidos como A-One, Delta-2, Ero e Kool Kor. Existem vários exemplos indispensáveis de trabalho de Rammellzee, que criaram um futurismo gótico filosoficamente denso completamente o seu.
Alguns dos destaques nunca estiveram em exibição antes, incluindo o “Breakfast at Baychester” de Quiñones (por volta de 1980), um surpreendente e quase esquemático de um par de trens nº 5 estacionados no Bronx Layup que era um terreno de pintura favorito entre os escritores. A peça estava inacabada quando Wong a adquiriu, o que pode explicar sua beleza assustadora, suas entranhas mecânicas ainda sendo esboçadas, tanto de reposição quanto intensamente detalhadas de uma só vez. Um estudo menor de tinta no papel terminou três anos antes, dicas no Vision, uma homenagem energeticamente caricaturada às etiquetas de outros escritores, mas há um realismo sóbrio no trabalho incompleto.
Wong era um completista, interessado em não apenas na suculenta e totalmente realizada lona trabalha, mas também em raridades e na gagueira inicia. O show inclui “Kaygee” (por volta de 1985) Um pequeno aerossol na tela por Dez, um escritor que criou murais floridos e parece nunca ter produzido outra tela. Há também um hipnotizante tromp l’oeil, “Green Krinkle in stereo” (1983) de Stan 153, um estilista prolífico, mas subestimado, que era cedo para entender as aplicações comerciais do graffiti.
Ao longo do show, você tem a sensação de intenção de Wong, sua visão de uma história abrangente de graffiti em Nova York. Há peças datadas de 1971, pedaços de papelão ocupados com tags, os primeiros rabiscos dos escritores e cadernos escolares, quando ainda estavam trabalhando com suas tags e estilos de mãos. “Martin colecionou infância”, observou o artista Daze.
O apoio de Wong eventualmente evoluiu para a defesa. Com Peter Broda, ele abriu o Museu de Graffitos Americanos no último andar de uma casa na Bond Street, em Noho, em 1989, quando o grafite de tempo se secou principalmente no sistema de metrô e o afeto de queima rápido das galerias havia esfriado. (A voz da vila correu a manchete “Graffiti RIP” em 1987.) Ele fechou dentro de seis meses, mas a inclusão aqui de um dos vitrines originais da tela, sua estrutura de madeira percorrida com marcas grossas e altas, é uma sutil realização da visão de Wong; Você pode entender as tags frescas espremidas entre as de 35 anos atrás. É um trabalho atencioso.
Diagnosticado com HIV, Wong retornou à Califórnia em 1994, onde morreu cinco anos depois. Ele poderia facilmente ter vendido peças a colecionadores europeus para financiar os últimos anos de sua vida, mas ficou inflexível de que sua coleção permanecesse intacta e em uma instituição pública, um presente duplo. Como todas as principais coleções de arte, o de Wong representa uma aposta, menos no valor apreciável de vendas do Graffiti do que em sua capacidade de tornar visível o que era antes de um segmento invisível da sociedade. A aposta de Wong está valendo a pena, mesmo quando as instituições que compraram seu próprio trabalho permanecem indiferentes ao grafite. O fato de eles ainda não terem alcançado o quão à frente ele poderia ver.
Acima do solo: arte da coleção Martin Wong Graffiti
Até 10 de agosto, Museu da cidade de Nova York, 1220 Quinta Avenida, Manhattan; 917-492-3333, McNy.org.
