O salgueiro é uma sombra do que era antes. Atingido por um raio, ele não tem folhas nem galhos – apenas um pequeno tronco que se estende para cima e lasca em lâminas afiadas.
Para o observador casual, o salgueiro se parece muito com as árvores vizinhas no vasto parque que é o Kensington Gardens. No entanto, é na verdade uma escultura de bronze: foi eliminada de um salgueiro de 100 anos (e forrado com folha de ouro) pelo artista italiano Giuseppe Penone, e faz parte de seu novo show solo“Pensamentos nas raízes”, nas galerias serpentinas até 7 de setembro.
Penone, 78 anos, faz arte com e sobre a natureza. Árvores, madeira, folhas, plantas e rochas são seus principais materiais. Dentro da serpentina, ele alinhou as paredes da galeria central com folhas de louros que emitem um perfume delicado. De pé contra uma parede, há uma escultura feita de vigas de madeira cujas camadas externas foram retiradas para revelar o que está em sua essência: os pequenos galhos das árvores jovens que antes eram.
Penone nasceu em uma comunidade agrícola na vila montanhosa de Garessio, no noroeste da Itália. Ele passou suas primeiras duas décadas longe da cidade grande, cercada por florestas e rios. No entanto, a arte sempre fazia parte de sua vida. Ele desenhou desde tenra idade, incentivado por sua mãe – que se envolveu na arte quando ela era mais jovem – e cresceu em uma casa cheia de bustos e estatuetas feitos por seu avô escultor.
Mais tarde, ele estudou na Academia de Belas Artes de Albertina em Turim. No entanto, seus primeiros passos como artista praticante foram tomados entre as árvores em sua vila de infância. Em 1968, quando ele tinha 21 anos, ele fez um molde de sua mão e afixou um elenco de metal no porta -malas de uma árvore; Com o tempo, a árvore cresceu em torno dela. Ele documentou isso e algumas outras intervenções bucólicas quando as fez. A série fotográfica liderou o influente crítico italiano Germano Celant a incluir Penone em seu livro “Arte Povera” (“Poor Art”) – e a associá -lo a um dos principais movimentos artísticos das décadas de 1960 e 70.
Em uma entrevista recente no Serpentine, Penone falou de seus relacionamentos com a natureza, arte e dinheiro. A conversa, traduzida de italiana, foi editada e condensada.
Por que você fez da natureza a base de todas as suas obras de arte?
Por razões relacionadas a identidade. Pensei comigo mesmo: se quero expressar algo com arte figurativa, preciso fazer algo que seja meu – uma imagem e uma prática que são pessoais. Eu preciso trabalhar com os elementos que eu sei melhor, sobre os quais me sinto mais fortemente. Não faz sentido fazer o que os outros estão fazendo. Minha arte nasceu dessa intuição muito simples.
Foi aí que tive a ideia de trabalhar com árvores. A árvore não é uma forma fixa ou rígida: é uma forma que está em movimento. Nós o vemos como uma forma sólida, mas é fluido no tempo. Voltei aos lugares da minha infância. Eu me inspirei no relacionamento com a natureza e da vida do agricultor: a ideia de que você planta sementes e há uma colheita, de que você coloca algo no chão que reaparece como uma colheita. Há um período de espera – não é um processo imediato.
Você se sentiu em casa no movimento Arte Povera?
Você deve considerar a situação da arte contemporânea na Itália na época. Havia colecionadores e artistas, mas não havia estrutura, museus, mercado, nada. Portanto, a expressão “Arte Povera” se tornou uma estrutura, uma identidade que os artistas aceitaram e descobriram que poderiam trabalhar. Deixando de lado as considerações econômicas, os artistas aceitaram fazer exposições sob esse rótulo, porque poderiam manter sua própria identidade distinta enquanto fazia trabalho que fez em questão as convenções da arte.
Sua carreira foi um sucesso consistente ou houve altos e baixos?
Eu nunca notei os altos ou os baixos. Continuei a fazer meu trabalho, mesmo em momentos em que o mercado estava em uma crise. Meu trabalho não se baseia em exposições: é baseado em um relacionamento com o material. É como escrever. Enquanto você tiver uma caneta e papel, você pode trabalhar.
Sim, mas você tem que sobreviver.
Encontrei uma maneira de sobreviver. De alguma forma, o trabalho venderia. Algo venderia.
No mundo hoje, há uma grande preocupação para o meio ambiente e um retorno à natureza. Seus trabalhos estão muito em sintonia com os tempos. O que são seus pensamentos?
Estou muito satisfeito por haver uma sincronicidade entre o que faço e os tempos em que estamos vivendo. Mas há uma contradição fundamental em ver a natureza como algo estranho à humanidade. Os seres humanos fazem parte da natureza. Eles são natureza. Eles precisam preservar a natureza para sua própria sobrevivência. Portanto, não se trata de seres humanos que amam a natureza: trata -se de seres humanos que se amam.
Todos esses debates em todo o meio ambiente têm a ver com o ego humano e eles estão focados na sobrevivência da humanidade. É um tanto ridículo dizer que os seres humanos precisam se preocupar com a sobrevivência da natureza. Mesmo que os seres humanos sejam extintos, a natureza continuará a existir. Outro ser vivo virá e ultrapassar a humanidade.
Não há uma contradição em fazer o trabalho próximo da natureza e às suas raízes rurais, e sendo representado pela Gagosian, a maior galeria de arte comercial do mundo?
O relacionamento com uma galeria é bilateral. A galeria vende o trabalho do artista, mas o artista também faz uso da galeria. Existem benefícios para os dois lados, especialmente quando uma galeria dá tanta liberdade ao artista quanto Gagosian.
Antes de começar a trabalhar com Gagosian, tive muitas dúvidas, porque ouvi comentários críticos sobre a galeria. Mas em todas as exposições que eu fiz, a galeria nunca me pediu para produzir um trabalho comercializável. O principal objetivo sempre foi para mim fazer um trabalho interessante. A visão de Larry Gagosian é fazer programas que são qualidade do museu, para os quais ele solicita empréstimos para museus. Obviamente, ele também pode vender um trabalho e pode vendê -lo bem. Mas ele desempenha um papel cultural.
Qual é o papel da arte e do artista no mundo hoje, com todos os avanços da tecnologia?
O que sempre foi: criar emoção e surpresa, estimular a imaginação humana e fazer os indivíduos pensarem e refletir quando se deparam com os imprevistos e os desconhecidos. O objetivo é preservar o sentimento de admiração que as crianças têm.
A arte tem que ter uma função social profunda, não apenas uma função estética. Tem que fazer as pessoas entenderem a realidade pelas quais estão vivendo e como essa realidade está se transformando com o tempo.
