No domínio em forte expansão das colaborações entre artistas e marcas, Sky Gellatly, de 44 anos, tem funcionado como um segredo mais bem guardado. Pessoas do mundo do estilo e da arte podem creditá-lo como um intermediário astuto para artistas e marcas de moda interessados em explorar parcerias potencialmente lucrativas. Mas ele, até agora, permaneceu praticamente fora do radar.
Há oito anos, Gellatly e seu associado de longa data Nikle Guzijan fundaram a ICNCLST, uma agência de Nova York que estabelece relacionamentos entre marcas de alto perfil – incluindo Nike, Marc Jacobs, Tommy Hilfiger, Comme des Garçons, Louis Vuitton e o falecido Virgil Abloh – e o mundo da arte. luminares, como Takashi Murakami e o grafiteiro Leonard McGurr, mais conhecido como Futura.
Os acordos recentes incluem uma coleção cápsula de moda da Air Jordan, da loja MoMA Design e da artista Nina Chanel Abney; uma colaboração entre Moncler, marca italiana de vestuário de luxo, e o artista Rostarr (Romon Kimin Yang); e não menos importante, uma exposição de tênis residenciais da LVMH com curadoria de Gellatly.
Neste outono, ele se uniu a Jacobs para conceituar “Just Like Heaven”, uma exposição coletiva que destaca o trabalho de alguns dos colaboradores de longa data de Jacobs: Sofia Coppola, Marilyn Minter, Damien Hirst e sua alta potência como, na Control, a galeria de Los Angeles da qual A Gellatly é parceira.
Nas obras deste ano estão uma estampa colaborativa entre a Futura e o artista/estilista japonês Verdy, para venda online; parceria com o artista Devon Turnbull, criador da empresa de áudio Ojas, para uma sala de audição em Detroit; e diversas colaborações com a Nike centradas na Copa do Mundo de 2026.
Gellatly parece contente em deixar seus clientes exercerem seu poder de estrela enquanto ele trabalha nos bastidores. Ele seguiu esse padrão com a Futura, produzindo colaborações artísticas com Louis Vuitton, New York Mets, Comme des Garçons, Beats by Dre e Noguchi, bem como projetos na Miami Art Basel no mês passado.
Os visitantes da Basileia podem ter reconhecido Futura, que é o tema de “Futura 2000: Breaking Out”, uma retrospectiva que vai até 30 de março no Museu do Bronx. Era menos provável que eles escolhessem Gellatly enquanto ele percorria a multidão na recém-instalada loja de presentes Art Basel no Centro de Convenções de Miami. Ele apareceu para comemorar o lançamento do FL-001 Mini Pointman, uma réplica em tamanho de brinquedo da escultura em grande escala mais reconhecida de Futura, uma figura semelhante a um alienígena com uma aparência ameaçadora.
Os visitantes avançaram em direção a Futura, mas Gellatly manteve uma presença sombria. Ele usava uma jaqueta e calças pretas de alfaiataria da Uniqlo, o uniforme cuidadosamente discreto de um autoproclamado estranho.
E é assim que ele gosta.
“Sou introvertido”, disse Gellatly em entrevista no final do outono passado. Ele estava sentado em uma mesa de conferência em seu estúdio em TriBeCa, um espaço desprovido de bagunça, exceto por lembranças de colaborações com Kaws, Krink, Abney e outros, agrupados por toda parte. Ele vestiu um moletom com o logotipo da Universidade de Columbia, onde é professor assistente adjunto na Escola de Pós-Graduação em Arquitetura.
Na entrevista abaixo, que foi editada e condensada, Gellatly falou sobre um momento formativo da Oprah, “combatendo o bom combate pelos artistas” e muito mais.
Você parece ter mantido um perfil intencionalmente discreto ao longo de sua carreira. Por que é que?
Não sou estritamente um vendedor. Penso em mim e na minha equipe como espelhos dos criativos com quem trabalhamos. Queremos refletir para eles o potencial que possuem – e mantê-los concentrados na tarefa. Claro, eu trago oportunidades para eles. Mas estamos em busca de projetos que para mim tenham um toque pessoal.
Você escolheu um caminho não convencional no mundo da arte e das marcas sofisticadas. O que o moveu nessa direção?
Cresci em Hopewell Junction, no norte do estado de Nova York, no topo de uma montanha, cercada por bosques. Éramos uma família com inclinações artísticas. Meu pai aspirava seguir carreira nas artes, mas passou a trabalhar no porto de York como capitão de um navio-tanque costeiro. Minha mãe era professora. Aos 30 anos ela tinha um forno em casa e fazia cerâmica.
Tínhamos móveis Shaker e luminárias Noguchi em casa, e uma gravura de Keith Haring que meus pais compraram nos anos 80. Sinto que muito do que estou fazendo é, de alguma forma, uma continuação das coisas pelas quais eles estavam interessados, das coisas em torno das quais cresci.
O que te transformou em fã de moda?
Minha mãe tinha assinatura da revista Interview. Ela costurava muito – ela fazia algumas das minhas roupas quando eu era criança. Nas manhãs de sábado, assistíamos a desfiles de moda na televisão. Essas coisas ficaram impressas em minha mente.
Mais tarde, depois de me formar na faculdade, estava em casa assistindo Oprah com ela. Um segmento do programa foi cortado para o estúdio de Marc Jacobs. Naquele momento, talvez eu tivesse comprado um par de tênis Marc ou uma camiseta. E pensei: “Ah, é assim que se parece o estúdio de uma pessoa criativa”. Isso deixou uma impressão.
Você passou as primeiras fases de sua carreira na junção do editorial e do marketing, trabalhando na revista Complex e no editorial da MTV e da revista Details. Você direcionou o marketing para Hypebeast. Como esse histórico influenciou você?
Percebi que a “alta cultura” da mídia impressa de repente teve que coexistir com a mídia digital. Senti que em breve viveríamos numa era em que a intersecção implacável se tornaria a nova norma. Tudo precisaria se tornar uma nova narrativa ou dialógica, em vez de uma frase de efeito inteligente em um comunicado à imprensa.
O que lhe diz que uma colaboração pode ter pernas?
Tudo se resume a paixões compartilhadas. Uma marca como a Nike desejará criar um calçado de desempenho com benefícios funcionais. Mas a Nike terá uma visão holística de um possível parceiro, percebendo, por exemplo, que o artista pode ser ao mesmo tempo um criativo e um corredor – ele também pode ser um DJ. plataforma ou narrativa que reflete algo do lado humano do artista, algo pouco conhecido.
Um exemplo é Futura. Como nova-iorquino, ele sempre foi fã do Mets – ele tinha um ingresso para a temporada dos jogos. Ele me disse que seria um sonho para ele trabalhar no Mets.
Ele acabou fazendo um boné de beisebol colaborativo para o Mets em camisa e um Bobblehead. Ele estava empolgado para lançar o primeiro arremesso de um jogo com seu filho. Com isso, ele disse aos fãs: “Eu amo beisebol assim como vocês. Eu ouço o Mets no rádio quando pinto.”
Quem é o provável consumidor deste tipo de bens?
Meu filho de 14 anos, por exemplo. Para a sua geração, as parcerias entre arte e marcas são efetivamente a norma. Do ponto de vista de um jovem, por que um artista não deveria ter sua propriedade intelectual em um videogame e, ao mesmo tempo, em um tênis?
Você cultivou relacionamentos de longo prazo com artistas e designers, incluindo o criador de roupas de surf Shawn Stussy, Murakami e Abloh, amigo e colaborador frequente da Louis Vuitton. O que, além do hype óbvio, isso traz para você?
Sinto-me principalmente atraído por pessoas que considero terem criado um movimento. Alguns são amigos. Alguns foram meus mentores. Meu interesse é compartilhar um momento de vida com eles.
Uma das minhas experiências mais transformadoras foi a primeira vez que fui ao estúdio de Takashi, há alguns anos, no Japão. Está em uma antiga fábrica de automóveis que foi destruída. Você não consegue nem imaginar a imensa escala do lugar, o nível de organização e criatividade. É quase como Walt Disney.
Minha amizade com Takashi tem sido especialmente inspiradora. Ele me deu algumas palestras do tipo mentor.
Por que um artista dessa estatura se sentiria confortável trabalhando com você?
Durante muito tempo, os artistas consagrados foram desencorajados de assumir projetos comerciais, advertidos de que isso poderia diminuir o seu valor ou prestígio. Alguns deles me disseram: “Claro, muitas marcas me procuraram, mas minha galeria, sem me avisar, disse não”.
Alguns de nossos artistas estão mais interessados em trabalhar em um mundo igualitário. Eles querem fazer produtos que atraiam uma criança, alguém que os lembre de quando eram adolescentes. Do ponto de vista da mídia social, eles também podem gostar que uma parceria de marca possa lhes proporcionar um megafone maior.
Você se vê como uma espécie de benfeitor?
Penso em nós como combatentes do bom combate pelos artistas. Historicamente existe o conceito de que uma galeria possui um artista. Metade do que o artista ganha volta para a galeria. Essa é uma quantia desproporcional.
O que isso traz para a marca?
Existe um prestígio ou reconhecimento partilhado de que a marca e o artista ou instituição artística são líderes nas suas áreas. Há três meses lançamos um conjunto de meias Nike com o logotipo do MoMA e da Nike. Esse item sinalizava respeito mútuo entre os parceiros, um aperto de mãos metafórico. As meias, milhares de pares, esgotaram.
Qual o tamanho da equipe necessária para fechar um negócio como esse?
Temos cerca de 20 pessoas em Nova York e outras 20 em Los Angeles. Nosso objetivo é nos tornarmos a primeira agência totalmente integrada verticalmente para artistas, desde o licenciamento até o trabalho curatorial. Muitos desses tipos de apoio sempre foram comuns para atores, atletas e músicos. Mas para os artistas isso é novo.
