Oito imagens que contam a história da América

Uma nova exposição de mais de 200 fotografias gráficos 300 anos de criação de imagens nos EUA, mostrando como a história e a fotografia do país foram paralelas.

Em 1840, usando uma placa de cobre feita por conta própria, Henry Fitz Jnr produziu Uma das primeiras selfies do mundoseus olhos gentilmente fechados para impedir que qualquer piscar depareça o resultado. Ao criar essa impressionante imagem azul, ele estava fazendo mais do que gravar sua aparência; Ele também estava documentando os primeiros ensaios da América em uma forma de arte que contaria sua história de novas maneiras radicais.

O auto-retrato de Fitz, juntamente com mais de 200 outras fotografias, gráfico 300 anos de criação de imagens na mais nova exposição do Rijksmuseum American PhotographyPrimeira pesquisa abrangente da Europa sobre este assunto. Complementados por empréstimos internacionais, a exposição mostra, pela primeira vez, a própria coleção de imagens americanas do Museu, que está ocupada em expansão desde 2007.

Para os co-curadores Mattie Boom e Hans Rooseboom, o ponto de partida da exposição era mostrar aos EUA através das diferentes perspectivas de seus fotógrafos. Os americanos estavam “usando esse meio como nós (os holandeses) usamos a pintura no século XVII”, disse Boom à BBC. “A América e a fotografia são paralelas. O meio está tão conectado ao país”.

A exposição se afastou deliberadamente de uma abordagem “Top 100”, acrescenta Rooseboom, afirmando “que teria sido muito fácil”. Em vez disso, obras de ícones como Robert Frank, Richard Avedon e Diane Arbus sentam -se ao lado de lembranças, cartões postais e anúncios – “imagens surpreendentemente boas que ninguém sabe”, diz ele.

Um tintype do século XIX (uma imagem feita em uma folha de metal) apresentando um homem e uma mulher na frente de um celeiro rústico é um exemplo. A imagem provavelmente foi vendida no local por um datilógrafo de estanho “por um preço modesto”, explica Rooseboom. “Muitas pessoas tinham acabado de chegar e estavam morando no campo, nenhuma cidade grande nas proximidades, então essa era a única possibilidade de tirar seu retrato”. O homem fica orgulhoso, olhando para a câmera, mas a cabeça da mulher está curvada e ela está olhando para longe. “Às vezes você pode sentir que as pessoas simplesmente não estavam acostumadas a ser fotografadas”, diz Rooseboom. “Hoje em dia, vimos em revistas e filmes como posar elegantemente”. Esta pode ser a única vez em toda a vida em que eles seriam fotografados e o resultado acrescenta boom, “ficaria na parede da casa onde moravam para sempre”.

Por outro lado, um cartão postal de 1913 com 12.000 funcionários da Ford Motor Company em Detroit pode ter sido a “imagem mais cara que já foi tirada”, brincou um jornal na época, pois a fábrica teve que desligar por duas horas para montar o funcionários. A imagem, a empresa se gabava, era “a maior imagem de grupo especialmente posicionada já feita” e ilustra um ponto de virada em que a indústria viu o valor em investir grandes somas na fotografia promocional. Tomado no ano em que a Ford apresentou a América Primeira linha de montagem em movimento e os EUA se tornaram o A maior economia do mundoa fotografia também descreve a produção em massa que moldaria o país.

O reaparecimento da imagem no Ford Marketing também o tornou um exemplo inicial de photoshop. Enquanto os mesmos rostos coloridos invadiram o primeiro plano, o número de funcionários citados na legenda aumentou exponencialmente, e um prédio à esquerda foi cortado em uma versão e adquiriu pisos extras em outro. “Aparentemente, muitos fotógrafos e seus editores não tinham escrúpulos em abandonar o potencial de realismo de seu meio”, escrevem o boom e o Rooseboom no catálogo de exposições.

Uma década depois, o fotógrafo de retratos de Nova York, James Van der Zee, também estava embelezando seu trabalho, atraindo jóias para seus súditos e retocando seus rostos para apagar linhas escuras e rugas. “Eu coloquei meu coração e alma neles e tentei ver que todas as fotos eram mais bonitas do que a pessoa”. Ele disse. Como um fotógrafo negro que trabalha em seu estúdio no Harlem no auge de O Renascença do Harlemseu trabalho registra um período em que os migrantes negros que fugiam do sul segregacionista estavam forjando uma nova vida para si no norte urbano. Pela primeira vez, os afro -americanos e outros grupos minoritários poderiam ser fotografados por alguém dentro de sua comunidade e representados de uma maneira que os elevou. O retrato de um homem desconhecido de Van der Zee (1938), por exemplo, é cuidadosamente posado para sugerir confiança. A roupa é elegante e a Daisy de Botão adiciona um floreio dândi. É uma imagem que reflete as aspirações e a mobilidade ascendente do povo afro-americano e o orgulho van der Zee tinha em sua cultura.

É a comunidade chinesa-americana que é o foco do trabalho de Irene Poon, que cresceu na Chinatown de São Francisco, onde seus pais, Imigrantes de primeira geração de Guanghzoudirigia uma loja herbalista. Uma imagem de 1965 apresenta a irmã de Poon, Virginia, em uma loja de doces local, lotada por bares de Hershey e Nestlé. As letras “ninhos” espiam pelas prateleiras densamente embaladas, reforçando a sensação de que ela está cercada por essa massa de letras gráficas. Ao lado de sua cabeça, uma barra de “visual” compete por atenção, sugerindo esse outro papel em constante expansão da fotografia americana: publicidade-um setor em que os EUA eram precursores. “Muitos dos artistas do século XX começaram em publicidade. Faz parte da história da arte”, diz Boom. “Todo esse campo já existia, e as artes e a fotografia como forma de arte se extrai”.

Uma das imagens, estrelas e listras mais poderosas da exposição para sempre? (1970) foi criado pelo fotógrafo de publicidade de Nova York, Bill Stettner, que procurou elevar o status da fotografia comercial e fez campanha com sucesso para os fotógrafos manter os direitos ao seu trabalho. “Eu gostaria de pensar que o que estou fazendo, que é claramente fotografia comercial para publicidade, é uma arte”. Ele disse a um entrevistador Para a série de televisão dos anos 80, World of Photography.

Estrelas e listras para sempre?, Seu trabalho mais conhecido, originalmente era apenas uma amostra, feita, Ele disse“por necessidade” para aumentar seu portfólio após uma desaceleração financeira. O trabalho leva o nome de uma marcha patriótica e apresenta uma bandeira dos EUA feita de partidas que acabaram de pegar fogo, sugerindo, talvez, a fragilidade dos EUA e os princípios que o fundaram. “A fotografia comercial é muitas vezes esquecida e não é coletada por museus, mas é um campo fascinante pictoralmente”, diz Rooseboom. “Você encontra os precursores do modernismo na publicidade, mas quase ninguém sabe disso e (quase ninguém) o coleciona ou mostrando isso em exposições”.

Nos anos do pós-guerra, a imigração em massa para os EUA trouxe novas maneiras de pensar. Os EUA assumiram o cargo da Europa como criador de tendências culturais, e a fotografia acabou sendo aceita como uma forma de arte. As abordagens lúdicas para a fotografia surgiram, indo além de documentar pessoas e lugares para provocar emoções e convidar perguntas profundas. A América de Ming Smith vista através de Stars and Stripes (1976), criada no bicentenário da Declaração de Independência, se volta novamente para a bandeira convidando a América para refletir sobre sua história. Ao colocar uma figura em óculos de sol espelhados em frente a uma vitrine, ela cria uma malha desorientadora de superfícies reflexivas. A estrutura da grade sugere encarceramento, mas – em combinação com os óculos redondos e as estrelas na bandeira – também cria uma composição abstrata que lembra a arte moderna. “Ela é uma observadora cuidadosa, brincando com todas essas camadas na imagem”, diz Boom.

Smith explora o potencial artístico da fotografia, experimentando dupla exposição, velocidade do obturador e colagem. Em uma versão desta imagem, ela pinta listras vermelhas ousadasalterando esse instantâneo dos EUA com marcas que se assemelham a sangue ou chamas. O trabalho de Smith se baseia no movimento dos direitos civis que o precedeu e apresenta ativistas como James Baldwin e Alvin Ailey. Ela foi a primeira mulher a se juntar ao coletivo de fotografia afro-americana The Kamoinge Workshop e a primeira mulher negra a ter seu trabalho adquirido pelo Museu de Arte Moderna (MOMA). No entanto, sua demografia foi amplamente ignorada pelo mundo da arte. “Eu trabalhei para capturar a cultura negra, a riqueza, o amor. Esse foi o meu incentivo”. Ela disse ao Financial Times em 2019. “Não era como se eu fosse ganhar dinheiro ou fama – nem mesmo amor, porque não havia shows”.

O poder político da fotografia também é visto na obra do fotógrafo de nativos americanos (Seminole-Muscogee-Navajo) Hulleah Tsinhnahjinnie, que usa a câmera para corrigir conceitos errôneos sobre populações indígenas e oferecer um ponto de vista alternativo sobre a história dos EUA. “Não é mais a câmera mantida por um estranho olhando, a câmera é mantida com mãos marrons abrindo mundos familiares”, ela escreve em um 1993 Ensaio. “Nós nos documentamos com um olho humanizador, criamos novas visões com facilidade e podemos virar a câmera e mostrar como o vemos”.

A legenda de Tsinhnahjinnie de uma imagem turística de Monument Valley, Arizona com isso não é um comercial, esta é a minha terra natal destaca a mercantilização da terra americana e usa o que ela chama de “soberania fotográfica” para nos levar de volta ao começo e recuperar e revoltar A história da América. Em combinação com obras como Bryan Schutmaat’s Tonopah, Nevada (2012), que documenta o efeito da mineração na paisagem do Ocidente Americano, imagens como Tsinhnahjinnie contam a história de uma bela terra que significa coisas diferentes para pessoas diferentes: ganho financeiro, segurança ou um espaço sagrado. À medida que a câmera passou de mão em mão, as histórias americanas se multiplicaram. “A American Photography é um campo muito mais rico e mais amplo do que sabíamos”, diz Rooseboom. “Ainda há muito a ser descoberto.”

American Photography está no Rijksmuseum, Amsterdã até 9 de junho de 2025. A exposição é acompanhada por um catálogo de fotografia americana – America através dos olhos dos fotógrafos, de Mattie Boom e Hans Rooseboom.