Os céus são tipicamente cinzentos e sombrios no Festival Internacional de Cinema de Berlim, mas a edição deste ano, que vai até domingo, começou com neve por dias. O clima de inverno deu o evento – conhecido como Berlinale – um brilho mágico a princípio, mas não foi suficiente para manter os demônios afastados. Empenhando sobre o festival, havia ansiedades sobre os conflitos em Gaza e Ucrânia, bem como as próximas eleições alemãs. Os filmes também irradiaram um ar de vergonha, desespero e impotência, perguntando: como confiar em nós mesmos para melhorar o mundo quando já estragamos tudo de maneira espetacular?
Tom Tykwer é visualmente deslumbrante, mas comicamente equivocado drama liberal, “A luz“Abriu o evento na semana passada, submetendo os freqüentadores de festivais a 162 minutos de angústia e desgaste (e um excesso de” Rhapsody Bohemian “cair) sobre uma família alemã limpa espiritualmente por sua governanta síria.
Para muitos de nós no terreno, no entanto, o primeiro épico de interesse real foi o diretor de “parasitas”, Bong Joon Ho, a capa da ficção científica “Mickey 17” – Um filme que induz risos nervosos sobre os padrões morais abismais da sociedade. Neste filme de ação de alto conceito com um coração sombrio, a exploração trabalhista atinge um novo baixo quando os trabalhadores, ou pelo menos suas formas físicas, se tornam literalmente descartáveis. Robert Pattinson interpreta um desses “dispensáveis”, um espaçador idiota cujos colegas de trabalho o tratam como um raci de laboratório, sabendo que seu corpo pode ser reimpresso.
Os lances de Bong na pontualidade são mais robustos do que o habitual. (Mark Ruffalo interpreta um desmogo de destaque cujos seguidores usam bonés vermelhos.) Mas a vantagem política monótona do filme não diminui o momento do passeio de alegria, nem os flashes de estranheza genuína que nos mantêm adivinhando. Se, Deus, os filmes de super -heróis estão destinados a seguir o caminho do Dodo, “Mickey 17” é um lembrete de que diretores como Bong mantêm o sonho do sucesso de bilheteria vivos.
A campanha de deportações em massa do presidente Trump se infiltrou na minha visão de “Sonhos”Uma entrada de competição que me encheu de muita ambivalência, mas também me mudou e me enfureceu. Este psicodrama intencionalmente provocativo por um dos diretores mais divisórios do México vê Jessica Chastain como uma filantropo fortemente ferida de São Francisco, que tem um relacionamento tempestuoso com um bailarino indocumentado do México – a quem vemos primeiro, como o sobrevivente ao lado de um horror brutal filme, emergindo de uma van cheia de migrantes contrabandeados.
Desdobrando -se com um ritmo tenso e estranho, o filme o derruba com suas idéias cínicas sobre classe, privilégio e as hipocrisias da culpa branca. Como um retrato menor de intimidade, no entanto, achei sua representação de vulnerabilidade – o tipo encontrado sob exibições pedregosas de força feminina – como surpreendentemente honesto. A bombas-de-bomba de Chastain, de um desempenho, demonstra lindamente como a paixão pode se curvar em dependência e abuso.
As rainhas de gelo também estão no centro de dois outros destaques da competição, cujo vencedor será anunciado no domingo. Marion Cotillard parece estar esculpida em diamantes em Lucile Hadzihalilovic, intrigantemente luxuoso conto de fadas sombrias “A torre de gelo. ” Mais uma assembléia de imagens assustadoras e interações sem palavras do que uma narrativa direta, o filme segue uma garota órfã que tropeça em um cenário e fica obcecado por sua estrela cruel e bonita.
A diva de Cotillard está bem ciente de que ela está perturbada, mas a heroína atingida pela consciência de “Continental 25Goldes em seus ilusões. A última vez que o diretor do filme, Radu Jude, esteve na Berlinale, seu drama tripartido “MAD LUCK BANGING ou LOONY PORN”(2021) ganhou o prêmio principal do festival. “Kontinental 25” é discreto em comparação com esse filme e começa com o suicídio de um homem sem-teto, a quem um oficial de justiça chamado Orsolyo (um esquilo Eszter Tompa) obriga a evacuar a sala em que ele tem se espremido. Orsolya é aparentemente enrolado de sentimentos de cumplicidade, embora o filme, que é composto principalmente por fotos prolongadas de suas conversas com outras pessoas, questiona a sinceridade de sua auto-propagração contra um cenário de tensão étnica e expansão neoliberal na Romênia.
Se os dois filmes de ficção anteriores de Jude eram coquetéis molotov de indignação, seus últimos segredos uma espécie de veneno sem aroma que fica com a banalidade com que as injustiças sociais são processadas e racionalizadas. Há algo tóxico no ar no drama de Fakher Eldin de Ameer Eldin (se às vezes, sem dormente simbólico) “grego”Também, no qual um homem deprimido sírio-alemão que sofre de ataques de pânico indutor de asfixia se retira para uma ilha isolada. Da mesma forma, no documentário de Kateryna Gornostai “Timestamp“Cada vez mais inquietante (se não totalmente sem esperança) cenas de operações de escolas públicas na Ucrânia da Ucrânia mostram a tensão entre o vigor e a ingenuidade da geração mais jovem e a ingenuidade e a realidade da infraestrutura desmoronada do país e o esforço de recrutamento de guerra.
O desconforto existencial permeou o programa do festival, embora o fórum – a seção dedicada a trabalhos mais experimentais – evocasse esse humor no registro mais forte e visualmente transportivo. Movimentos de câmera rodopiantes e molduras com bordas enevoadas e borradas compõem ““Depois de sonhar”Um drama sombrio e elíptico da Armênia que reflete as psiques de personagens perturbados por lembranças da guerra.
Em “Punk”Um mistério caoticamente ambicioso do diretor peruano JD Fernández Molero, o Espírito de David Lynch vive com rajadas de Horror Body-Horror e Gallows, e pivôs constantes para diferentes formatos de câmera e esquemas de cores; Pense em “Twin Peaks” e suas idéias sobre a violência masculina sobre fêmea, transportadas para uma comunidade indígena nas selvas do Peru.
Urska Djukic’s “Meninas pequenas“O filme de abertura da seção de perspectivas recém -inauguradas – uma barra lateral competitiva que exibia filmes de estréia – foi outra favorita, um riff esloveno do Powell e o clássico” Black Narcissus “de Pressburger (1947) para o conjunto da geração Z. Filmado em close-ups trêmulos, este filme de maioridade segue um adolescente reticente de uma casa religiosa e a viagem de seu coral toda para um convento. O delicado erotismo do filme interpreta sua heroína tardia nas meninas mais experientes sexualmente em sua camarilha, usando o misticismo católico para se aprofundar-não contra-a profunda confusão de seus desejos nascentes. Faz isso sem fixar a natureza exata de sua orientação sexual, privilegiando seu processo de dúvida e exploração.
Por fim, o melhor filme do festival, por minha humilde opinião, parecia à primeira vista um mero exercício de estilo. Fique com “Reflexão em um diamante morto”Um thriller de espionagem vertiginosamente inventivo de Bruno Forzani e Hélène Cattet, e você eventualmente sentirá o peso dos arrependimentos de seus heróis, aninhado dentro de uma meditação triste sobre os fantasmas da história do cinema. Coloque o passado e o presente com um estilo de edição dinâmica e imagens lúmidas e sensoriais (como um mamilo a areado de diamante ou unhas falsas de aço rasgando a carne), o filme é um giro Eurotrash em James Bond, flexionado por estilos vintage de quadrinhos italianos . Um ex-agente que vive na Riviera Francesa, John (Fabio Testi, um ícone de culto em filmes de gênero de baixo orçamento dos anos 70), é suspeito de um assassinato que ressurge memórias de sua vida passada, amores e nempeses, especificamente uma feminina Vigilante mascarado chamado Serpentik.
Certamente alienante para alguns telespectadores (coerência da trama e diálogo realista não são grandes prioridades aqui), o filme é, no entanto, um tour de força ilusionista, constantemente encontrando maneiras novas e surpreendentes de transmitir ação-e não é frequentemente, na ação dependente da CGI Filmes de hoje, que me pergunto: “Como eles fizeram isso?” No final, o delírio brilhante do filme se divertia em uma meta-inquérito da própria cinefilia e a política de gênero que passa por ele. Talvez, sugere, os mocinhos eram os bandidos o tempo todo.
