‘Sociedade de talentos mortos’
O diretor de Taiwan, John Hsu, a comédia de terror do John Hsu arrecadou prêmios, elogios e números fortes de bilheteria no ano passado por um bom motivo. Situado em um mundo onde os fantasmas competem para obter licenças assustadoras, que lhes permitem permanecer entre os vivos e evitar permanentemente desaparecendo, “Sociedade de talentos mortos” Casa -se com o estilo gonzo de “Beetlejuice” com as palhaçadas interpessoais e os conflitos dos melhores dramas nos bastidores. O mundo do filme é construído com detalhes requintados e explícitos: Espectros Hustle para entrar nas capas de revistas chamadas “Death” e “Morgue”, ganham acordos de endosso para as marcas de formaldeído e adaptam truques testados-emergentes de armários, rastejando para trás-para a idade da New Scares.
Nesse contexto, chega o novato (Gingle Wang), uma adolescente recém -morta, cuja morte não digna e falta de confiança fazem dela uma candidata terrível para uma licença assustadora. Isso é até Catherine (Sandrine Pinna), uma ghostress que antes era lendária e agora feita, e Makoto (Chen Bolin), seu gerente, pegam o novato sob suas asas e decidem fazer dela um fantasma digno da eternidade. Uma história familiar de amadurecimento de Avanço recebe uma reforma doida e encantadora com paródias de filmes de terror asiáticos populares e uma sátira do momento das mídias sociais e da indústria de influenciadores.
‘The Adamant Girl (Kottukkaali)’
O filme em língua tâmil de PS Vinothraj é uma viagem do inferno. Desde suas primeiras cenas, nas quais uma família extensa em uma vila do sul da Índia se prepara estridente para uma jornada, o filme é alto e implacável, uma tempestade em constante movimento. No meio de toda essa comoção, há um oásis de silêncio: Meena (Anna Ben), a teimosa mulher do título, é silenciosa e passiva, olhando para lugar nenhum com olhos vazios enquanto ela é transportada, junto com um galo, em um rickshaw automático recheado com seus relatórios.
Os detalhes emergem lentamente à medida que essa jornada prossegue através de estradas não pavimentadas e campos gramados, e os personagens gritam, lutam e encontram inúmeros obstáculos: intromissão de policiais de trânsito, intervalos de banheiro não planejados, um touro bloqueando a rua. Meena está sendo levada a um vidente em outra vila para livrá -la dos espíritos malignos que supostamente a enfeitiçaram. Obviamente, uma “mulher possuída” geralmente é código para uma mulher que se atreve a ser independente e desafiar as restrições patriarcais, e Meena não é diferente, pois logo fica claro. A performance de Ben é a maravilha central de “The Adamant Girl (Kottukkaali)”: ela tem apenas uma linha de diálogo no decorrer deste filme intenso e extremamente detalhado, mas seu rosto, renunciado e resoluto, fala mais alto do que qualquer uma das palavras de outros personagens.
‘Somente o rio flui’
Os prazeres do gênero noir derivam de sua mistura de forma e conteúdo – de como a luz, sombras, lugar e enredo se combinam em um mundo ambíguo, onde as linhas entre o bem e o mal, a realidade e os sonhos começam a embaçar. O drama criminal de Wei Shujun, ambientado nos anos 90 em uma pequena cidade chinesa ribeirinha, pregos que afetam. A premissa é clássica: um detetive nobre e trabalhador (Zhu Yilong) investiga uma série de assassinatos que o levam a uma toca de coelho e perturbam sua sanidade.
O filme inteiro é filmado em filme de 16 mm, com uma granulação tátil que enfatiza o cenário do período (um suporte -chave no filme é uma fita cassete) e a obra moral do caso; Os locais estão perpetuamente encharcados de chuva, tornando tudo escorregadio e brilhando e sempre prestes a ser lavados. Os tropos familiares noir se repetem por toda parte-um louco à solta, um travesti no armário, um caso de amor ilícito-mas “apenas o rio flui” nunca se sente cansado. Ele se desenrola como uma homenagem amorosa e lindamente criada a um gênero que é sempre verde por um motivo: nos confronta com um mundo que é fundamentalmente incognoscível e incerto, onde quanto mais parecemos, menos realmente vemos.
‘Astrakan’
Dirigido por David Dependeville, este filme francês sobre o orfanato é um conto neorrealista contado com uma reviravolta surrealista. Samuel (Mirko Giannini), um órfão de 12 anos, foi levado por Marie (Jehnny Beth) e Clément (Bastien Bouillon). A casa deles parece inicialmente um idílio rural, atirado lusciosamente pelo diretor de fotografia Simon Beaufils: a família vive em uma cabana de pedra cercada por árvores, campos e lagos verdejantes, que Samuel explora com seus irmãos adotivos quando ele não está saindo com a menina ao lado ou a ginástica de ginástica.
Mas as ondulações logo começam a aparecer neste retrato observacional da vida familiar improvisada. Promover Samuel é principalmente uma maneira de seus pais adotivos ganharem dinheiro extra. Os tons exploradores e às vezes violentos do arranjo impressionam o garoto tranquilo e sombrio, cujo comportamento reticente esconde trauma não dito. A repressão é um tema -chave – Samuel luta com os movimentos que passam – e, no final do filme, as dicas de ameaça e transgressão passam pelo crescendo “Astrakan” em uma sequência frenética de imagens tão narrativamente lamentações quanto é emocionalmente catártica.
‘Para lugar nenhum’
Dois jovens queer pulaem a escola por um dia bebendo, fumando e passeando por Londres. Isso é tudo o que há para o enredo do recurso de estréia de Sian Astor-Lewis, um drama escasso e de baixo orçamento com alguns locais e apenas três personagens centrais que, no entanto, lotam um grande soco emocional. A tulipe do ensino médio (Lilit Lesser) e Finn (Josefine Glaesel) acordam grogue na casa de Tulip, onde ela mora com o pai e o tio após a morte de sua mãe. A tulipa é triste e gentil; Finn, que se apresenta como gênero não conforme (embora isso nunca seja abordado diretamente no filme), está perpetuamente zangado e parece abrigar um rancor profundo contra o tio de Tulip. Os dois tropeçam durante o dia erraticamente; Eles se beijam, brigam, riram e entram em todos os tipos de situações complicadas. Astor-Lewis permite que eles sejam irascíveis e muitas vezes improváveis, oferecendo apenas momentos vadios de contexto sórdido sobre sua difícil vida doméstica. Em vez de histórias secundárias ou resoluções arrumadas, o cineasta convida o espectador a reconhecer, na raiva autodestrutiva de seus protagonistas tristes e confusos, uma mágoa que se aprofunda mais do que a linguagem para articular.
