O artista abstrato Robert Mangold tem sido notavelmente consistente e disciplinado com sua abordagem para pintar e desenhar que ele faz praticamente todo mundo parecer caprichoso e mutável.
Mangold tem explorado geometria, forma e cor há mais de 60 anos, com meio século da época em uma propriedade encantadora aqui no vale do Hudson com uma antiga fazenda e um celeiro.
Agora com 87 anos, Mangold definitivamente diminuiu a velocidade. Mas ele ainda está trabalhando e tem uma demonstração de pinturas recentes e trabalhos no papel na Pace Gallery, em Chelsea, que abre na sexta -feira.
“Robert Mangold: pentagons e espaço dobrado” é cronometrado para coincidir com a movimentada temporada de arte da primavera em Nova York e permanece em exibição até 15 de agosto.
A exposição tem 19 obras, e alguns têm vários componentes-incluindo “quatro pentágonos” (2022), um trabalho de quatro painéis que é um dos maiores em décadas-para que possa parecer ainda maior e se espalha por dois andares. (“Quatro pentágonos” e alguns outros trabalhos estão emprestados de museus ou coleções particulares, neste caso do Art Institute of Chicago.)
Mangold pode passar anos iterando em forma. Círculos e semicírculos são formas para as quais ele voltou repetidamente, às vezes incorporado ou incorporado em formas retilíneas, como em “Circle Painting #4” (1973), que vendido por US $ 365.000 no Christie’s em 2014.
Sentado em sua mesa de cozinha em abril com sua esposa, a artista Sylvia Plimack Mangold, ele refletiu sobre por que pentágio e outros polígonos estavam de atenção agora – e por que eles apresentam ângulos mais pontiagudos e mais agudos do que em grande parte de seu trabalho anterior, o equivalente abstrato dos cotovelos afiados.
“Eu estava pensando hoje que poderia ter a ver com o mundo em que estamos vivendo agora”, disse Mangold após vários dias das extremidades dos mercados financeiros mundiais. “Há uma sensação do colapso do espaço interno das imagens. Em vez de expandir, está se contraindo”.
Mangold é um verdadeiro crente quando se trata da força que pode ser exercida por uma obra de arte sem um óbvio ponto de referência figural, o que ele chamou de “um poder físico que cria sua própria realidade”.
Nos últimos meses, Mangold se concentrou em trabalhar em um estúdio menor na propriedade, onde faz pequenos trabalhos em papel com lápis e pastel, um processo fisicamente mais fácil para ele do que fazer pinturas maiores em seu celeiro.
Ele esfrega o pastel com uma toalha de papel, a mesma técnica vista nas obras no programa de ritmo como “Espaço 3” (2024). Muitas vezes, seus desenhos abriram o caminho para uma pintura posterior da mesma composição.
Embora ele seja classificado como minimalista ou conceitualista, os trabalhos de Mangold têm uma vibração e calor que não se depara necessariamente em uma reprodução.
“Seu trabalho nunca se encaixa na coisa minimalista agressiva”, disse Barbara Haskell, curadora de longa data do Museu de Arte Americana de Whitney, que tem mais de uma dúzia funciona em sua coleção.
“Há um lirismo, a delicadeza de sua linha, combinada com a estrita geometria”, disse Haskell. “É isso que lhes dá energia.”
A cor desempenha um grande papel no trabalho de Mangold, mas ele tende a não escolher tons primários brilhantes. “Você não pode descrever as cores dele”, disse Plimack Mangold. (Pace recentemente começou a representar seu trabalho também; ela é conhecida por pinturas em uma veia mais figural.)
Muitos tons de seus trabalhos anteriores foram inspirados pela cor dos objetos, incluindo edifícios de Nova York e envelopes de Manila. “Eu tinha uma arma básica que era cinza-verde e lembro de usar essa cor”, disse Mangold.
O fundador de Pace, Arne Glimcher, que representa Mangold desde 1991, disse: “A idéia do poder da cor no trabalho de Bob é a mesma que com Rothko: transmitir emoção com meios reduzidos”.
Nascido no norte de Nova York (“Sou um bumpkin country”, disse ele.), Mangold estudou no Cleveland Institute of Art no final da década de 1950 e, em 1958, ele foi ver um proeminente Exposição Bienal em Pittsburgh, que mais tarde evoluiu para se tornar o Carnegie International.
Entre os artistas apresentados estavam Willem de Kooning, Jackson Pollock, Barnett Newman, Ellsworth Kelly e Mark Rothko.
“Vi um trabalho expressionista abstrato lá pela primeira vez”, lembrou Mangold. “Isso me desencadeou. Isso me deixou sem fôlego.”
No início dos anos 1960, os dois Mangolds frequentaram a Escola de Arte e Arquitetura da Universidade de Yale, onde ele conseguiu um BFA e um MFA que eles se casaram em 1961. Na mesma época, Mangold fez uma passagem como guarda no Museu de Arte Moderna.
“Foi um trabalho muito bom; você não chegou até os 11 anos e saiu às 5”, disse ele.
Os Picassos lá, e sua evolução, ficaram com Mangold – mesmo que sua própria história de estilo não seguisse o exemplo. “Eu não conseguia superar o fato de ele ter começado de uma maneira e depois seguiu de outro lado”, disse Mangold.
Manhattan Living influenciou sua arte, de maneiras sutis.
“Minhas primeiras pinturas quando cheguei a Nova York foram muito inspiradas nos prédios e caminhões da cidade”, disse ele. “Você não viu tudo de uma vez – você veria coisas, como um pedaço de caminhão passando por nosso estúdio no Bowery.”
Ele gostava de trabalhar em telas consideráveis quando podia. “Eu queria uma escala física com a qual eu pudesse ficar e me relacionar e me conectar”, disse ele.
Mangold foi incluído em um Landmark 1968 Show Aquela galeria de Paula Cooper inaugurou a primeira galeria de arte no Soho. Tinha um tema da Guerra Anti-Vietnã e incluiu muitos grandes nomes, principalmente um dos melhores amigos de Mangold, o artista Sol Lewitt.
Cooper disse que ficou encantada com a pintura de Mangold no show – Mangold lembrou que o trabalho era “1/2 área curva de Manila (dividida)” (1967) – e ela observou que ele era um membro “mais calmo e menos sensacional” de sua geração artística em comparação com seus colegas.
Apesar de mostrar em galerias, Mangold não estava ganhando muito dinheiro com sua arte nos primeiros anos. “Eles não estavam vendendo”, disse ele. “Demorou tantos anos para obter uma pintura que vendeu por US $ 1.000”.
Um solo do Museu Guggenheim mostrar Isso começou em 1971, ajudou sua reputação. Isso ocorreu quando os Mangolds começaram a passar um tempo no país e, em 1975, eles haviam se mudado para sua propriedade atual.
O filho deles, o cineasta James Mangold, que foi recentemente indicado ao Oscar por dirigir “um completo desconhecido”, disse que seus pais viveram uma existência um tanto “enclausurada” lá durante sua infância e desde então, mas que havia valido a pena em sua arte.
“Eu recebi muito deles a importância de encontrar sua voz, seu lugar e seu idioma”, disse James Mangold. “Você não precisa fazer o que todo mundo está fazendo naquele momento.”
Em seu estúdio de celeiro iluminado pelo céu, Robert Mangold estava sentado em uma cadeira e falou sobre como e por que ele usa um rolo para aplicar tinta, o que é mais fácil do que usar o pulverizador que empregou antes de 1968.
“É uma maneira de colocar a tinta sem o toque do artista-há uma máquina entre mim e isso”, disse ele, ecoando a despersonalização que foi um princípio de abstração do século 20. Mas suas influências são muitas. Ele também observou que evoca a qualidade dos afrescos italianos usando uma tinta acrílica reduzida.
Em meio aos trabalhos concluídos pendurados no celeiro, havia duas telas em branco brancas. Em um canto distante, um em forma de polígono estava particularmente na mente de Mangold como uma pintura futura em potencial, pois quando ele está se sentindo pronto.
“Eu tenho isso esticado e pronto para ir”, disse ele.
