Este artigo faz parte do nosso Seção especial de museus sobre como artistas e instituições estão se adaptando aos tempos de mudança.
“Qual é o seu sonho mais louco para o nosso futuro?”
Essa é a pergunta escrita com ousadia na parede azul de 16 por 11 pés que é apresentada em “Dreamseeds”, uma instalação interativa de arte e som.
Aqui estão duas das respostas, escritas em pedaços de papel feita à mão e reciclada:
“Energia, comida, amor, suficiente para todos.”
“Que podemos ser amados por quem somos.”
E como “Dreamseeds” faz parte de uma exposição no Museu de Arte de Baltimore, um jovem visitante tinha um desejo muito específico: “Eu quero ser um jogador do Orioles – a primeira garota”.
As notas ficam penduradas nos pinos de metal alinhados em linhas arrumadas abaixo da pergunta. Os alto -falantes por trás do muro emitem uma paisagem sonora de vozes e músicas que foram reunidas pelos artistas durante as oficinas que conduziram e depois tecidas em uma tapeçaria de som.
“Sonhar em um tempo de caos é absolutamente revolucionário”, disse Sanahara Ama Chandra Brown, que criou “Sementes de Dreams” com Hannah Brancatoambos os artistas de Baltimore. “É revolucionário alguém dizer: ‘Eu ainda terei esperança. Ainda terei desejo.’”
A instalação é uma das 66 obras no show “Correntes transversais.” A maioria deles é da coleção do museu e 28 estão em exibição pela primeira vez. Não há data de fechamento oficial, mas uma seleção de obras gira a cada seis meses.
A exposição explora como, nos últimos 60 anos, os artistas imaginaram seus relacionamentos com a terra, justiça ambiental, tristeza e restauração, bem como como encontraram luz durante os tempos sombrios.
Uma das três apresentações solo do programa, “Lay Me Down em louvor”, usa imagens e som poderosos para trazer os espectadores “para o centro de quão bonita, mas quão devastadora é o nosso planeta”, disse Justen Leroy, o artista por trás da peça, que vive em Los Angeles.
Em um pequeno teatro, a instalação de vídeo de três canais mostra rios lentos de lava ardente, oceanos crescentes e geleiras de parto, ao lado de close-ups de pessoas olhando para a câmera, abraçando e se movendo graciosamente.
É a primeira obra de arte que Leroy criou, e ele a dirigiu com o artista visual Kordae Jatafa Henry. Os artistas são a família e os amigos de LeRoy, e as imagens, ele disse, colocaram “os negros ao lado das geografias às quais normalmente não temos acesso”.
“Não pensamos em ir para a Islândia ou terrenos diferentes – esse mundo não é necessariamente aberto para nós”, disse ele. “Estou tentando ajudá -los a abrir sua imaginação para o mundo e para si.”
A música – composta por Leroy e o artista multidisciplinar Alexander Hadyn – está muito na tradição da alma negra de riffs, corridas e corridas vocais e melismaS, que são “a conexão de notas que não são necessariamente uma palavra, mas estão cheias de emoção”, disse Leroy.
“Comecei a pensar: ‘Qual é a trilha sonora do nosso planeta e como soa o chão do Atlântico? Como esse choro soa?’”, Ele disse. A essência do estilo gospel, ele observou, foi descrito como “o gemido sem palavras”.
A peça foi mostrada como parte do 2023 Bienal das Américas Em Denver, então como parte da Bienal de 2024 Dak’art em Dakar, Senegal. O Museu de Baltimore o adquiriu.
Outra apresentação solo – mas uma maneira muito diferente de imaginar a natureza e a resiliência – fica na primeira de 11 galerias que compõem a exposição. Intitulado “Sob outros céus”, este é o único trabalho encomendado especificamente para o programa. Os visitantes podem andar entre 10 esculturas de metal por Abigail Lucienvariando de uma gaiola de pássaros de 11 pés de altura com um balanço a uma delicada Susan de seis polegadas de olhos pretos, a flor do estado de Maryland.
Nas paredes, há esculturas de treliça, com animais como gatos e coelhos, entrando e saindo das barras. Todos são feitos de ferro reciclado ou uma liga de metal que inclui ferro.
Para Lucien, que morava em Baltimore antes de se mudar para Nova York e usa os pronomes/eles, o ferro é um elemento -chave de seu trabalho.
É vital para a vida da terra – cujo núcleo é feito quase inteiramente de ferro e níquel – mas também para a existência de cada indivíduo, disseram eles. Os corpos humanos contêm uma pequena quantidade de ferro e um A falta de ferro pode levar a déficits de aprendizado e memória.
“Há algo realmente poético para mim sobre essa idéia de pensar sobre esse material de capturar ou manter a memória”, disse Lucien, acrescentando que levou cerca de um ano para fazer todas as 10 peças. Esta é a sua primeira apresentação solo em um museu.
Originalmente, um gravador, Lucien, professor assistente do Hunter College, em Nova York, voltou -se para a metais em 2020, quando o mundo parecia impregnado de tristeza. O pai de Lucien, no Haiti, morreu de Covid na mesma semana em que George Floyd foi assassinado pela polícia de Minneapolis.
“Eu não sabia mais o que fazer e encontrei consolo na desaceleração no estúdio de metal”, disseram eles. “Eu senti que era um lugar que eu tinha agência, que eu poderia realmente dobrar algo para minha vontade.”
As esculturas adotam contradição: uma fita ou uma teia de aranha no mundo real é feita de material frágil, mas na exposição eles são compostos de aço sólido.
Como uma pessoa biracial que cresceu no Haiti e nos Estados Unidos, Lucien sempre foi atraído por espaços ou coisas “que parecem poder florescer em um mundo intermediário”.
“Como criamos espaço onde as coisas não são facilmente definidas”, continuaram eles, “onde podem se tornar algo que é abraçado ou que pode se tornar pontos de conexão, em vez de ser pária ou temido”.
As ferramentas de conexão aparecem em “Bambrope-Familiar, porém complexo 4”, uma obra de arte de 6 por 10 pés que parece ser uma pintura ou uma colagem de água ou terra marrom-verde, mas é realmente feita inteiramente de pranchas de fibra.
O artista etíope Elias Sime “vai a um mercado enorme ao ar livre em Adis Abeba, onde sucata como esse é negociada e coletada ao longo de anos e anos”, disse Cecilia Wichmann, curadora e chefe do Departamento de Arte Contemporânea do Museu. Ele também coleta e faz arte de outros detritos de telecomunicações, incluindo placas -mãe, teclados e cabos coaxiais.
Através de seu trabalho, Sime levanta a questão do que significa “estar tão intensamente interconectado e a que custo”, disse Wichmann, acrescentando: “e como a extração dos materiais usados para fazer com que esses sistemas afetem a Terra que precisamos para sustentar nossas vidas e nossas relações interpessoais?”
Outro destaque da exposição é “Peace Keeper” de Nari Ward. Foi originalmente exibido na Bienal de Whitney de 1995, desmontada e recriada para o novo museu da cidade de Nova York, depois adquirida pelo Museu de Arte de Baltimore.
Um carro de tamanho grande preto coberto de penas de pavão e o que parece ser alcatrão espesso-mas na verdade é vaselina misturada com pigmentação preta-fica envolto por barras de metal com silenciadores pendurados acima dela. É, em sua essência, a morte enjaulada.
Ward disse O jornal de arte Que a nova iteração de “Paz” é “ainda sobre a desumanidade do homem para o homem, porque há algo muito violento na peça”.
“Peace Keeper” está em diálogo com uma pintura próxima, a “Elegia da República Espanhola” de Robert Motherwell. É de uma série de mais de 100 elegias para a República Espanhola que Motherwell pintou por cerca de duas décadas como lamentação e uma meditação sobre vida e morte.
Ao criar “correntes transversais”, os curadores e todos os outros envolvidos estavam pensando “sobre essa idéia de luto e sofrimento de maneira coletiva e entre gerações”, disse Wichmann. Particularmente após o impacto da pandemia da Covid, “Como respondemos a essas perdas de uma maneira que tem alguma expressão do potencial para continuar?”
