Em “Touch Familiar”, Kathleen Chalfant interpreta uma mulher cuja vida interior alternadamente queima brilhante e de repente diminui. Sua personagem, Ruth, tem um sorriso convidativo e graça física natural, embora às vezes ela vacila no meio do palco. Uma ex-cozinheira e uma autora de livros de receitas agora com 80 anos, ela mora sozinha em uma casa moderna agradável, cheia de prateleiras de livros e toques pessoais que transmitem a passagem do tempo em uma vida completa e bem vivida. Ruth parece completamente à vontade em sua própria pele quando aparece pela primeira vez, movimentada em sua cozinha. Ela está preparando o almoço para um visitante que, você logo aprende, é o filho que ela não reconhece mais.
Escrito e dirigido por Sarah Friedland, “Touch Familiar” é a seleção da noite de abertura na quarta-feira no Novos diretores/novos filmes Festival e uma ótima partida para o evento anual. O filho de Ruth de Ruth logo a abre o carro – ela acha que eles estão a caminho de um hotel – e entram em uma instalação de vida assistida. Lá, ela se estabelece em uma nova realidade enquanto luta com sua memória, se conecta com outros moradores e encontra apoio entre os funcionários. No rosto hipnotizante e eloquentemente expressivo de Chalfant, você vê a perda penetrante de Ruth e uma alma se estabelecendo com segurança no eterno agora como seu passado, presente e futuro desaparecem.
O Chalfant’s é apenas um dos rostos memoráveis da série anual de novos diretores/novos filmes, uma colaboração de filmes no Lincoln Center e no Museu de Arte Moderna que reúne filmes de todo o mundo. Estabelecido em 1972o evento foi projetado para chamar a atenção para o tipo de trabalho não -mainstream que nem sempre chegou aos teatros comerciais. Essa é uma das razões pelas quais eu sempre estou ansioso por isso; O outro é que seus programadores levam o filme a sério. Isso é claro em toda a programação, o que poderia usar mais variedade de gêneros, mas, no seu melhor, oferece a você um trabalho adulto pessoal, atencioso, imaginativo e adulto do tipo que toca em casas de arte e em serpentinas mais aventureiras. Estes são filmes feitos e escolhidos por pessoas que amam a arte.
Esse amor também é evidente na grande diversidade de homens, mulheres e crianças no programa, uma variedade que ressalta a centralidade do rosto humano como a grande paisagem cinematográfica. Este ano, em parte por causa da conversa distópica sobre a IA, fiquei impressionado com o poder profundo e significando sorrisos, carrancas e zombadores, e como assistir filmes geralmente significa assistir a outras pessoas. Não importa se os diretores deles puxam seu coração (como no documentário “Timestamp”) ou o mantêm a uma distância intelectual (o drama “afogando seco”), esses filmes apresentam uma surpresa da humanidade. Na seleção após a seleção, os velhos e os jovens visuais, alguns semgas e outros enrugados de dor, trazem-o cara a cara com o mundo.
Esse mundo raramente é mais angustiado do que em “Timestamp”. Dirigido por Kateryna Gornostai, este desgosto ucraniano oferece um retrato de não -ficção da nação através de seus filhos. A violência está sempre presente-em precauções de segurança, edifícios arruinados, adultos preocupados-, mas misericordiosamente não há cenas hospitalares ou crianças gritando, apenas tristeza. Na cidade de Kharkiv, no nordeste, perto da fronteira russa, os querubins frequentam uma escola em uma estação de metrô subterrânea enquanto estava na cidade central de Cherkasy, os alunos do ensino médio se preparam para a graduação, um rito de passagem que se torna progressivamente melancólico. Nem todas essas crianças atingirão a idade adulta.
Estamos tão habituados a assistir rostos grandes e iminentes – graças em parte ao amor das TVs por bobbleheads e agora smartphones – que sua ausência na tela pode ser impressionante e até desorientadora. Esse nem sempre foi o caso: no cinema inicial, esses close-ups não funcionavam necessariamente da maneira como estamos acostumados agora. O historiador Eileen Bowser, por exemplo, ressalta que a comédia de 1907 “Gás de rindo”Sobre uma mulher que vai ao dentista, abre com um close de ela estremecendo com um curativo em volta da cabeça e termina com outra de sua risada e livre de bandagem. Os close-ups amplificam a história, mas em contraste com a maneira como os cineastas logo começaram a empregá-los, não fazem parte da narrativa real.
Os rostos que seduziam o público do cinema precoce geram o antigo sistema de estrelas e seu impressionante, preparado e retoqueado glamouses. O filme independente tende a destacar rostos ostensivamente autênticos, mas mesmo esses precisam significar. Um rosto bonito pode seduzir, distrair ou aterrorizar, uma razão pela qual a adorável atriz Dolores Oliverio faz uma atração central tão formidável no Sly e deletavelmente assustador argentino de Laura Casabé “. Os looks de Oliverio falam volumes, assim como o rosto levemente emborrachado do pai gay na comédia alemã de Fabian Stumm, “Sad piadas”, e o vulnerável abrem um de um garoto húngaro intimidado em “lição aprendida” de Balint Szimler.
No gentil encantador de Rohan Parashuram Kanawade, “Cactus peras”, um homem indiano gay (um Bhushaan Manoj silenciosamente simpático) viaja de volta para sua casa de infância e se reconecta com um velho amante que teve uma vida que nosso herói não tinha, fez escolhas que não sabia que ele poderia fazer. Você assiste o protagonista assistir aos outros e, como você, descobre como ele se vê. Você não aprende quase tanto, por outro lado, sobre os personagens que entram e saem do “No Sleep Till”, de Alexandra Simpson, um retrato cativante e provocadoramente fragmentado de diferentes floridianos se preparando (ou não!) Para um furacão próximo. Enquanto as palmeiras estremecem contra o céu sinistro, esses observadores do tempo parecem emissários do apocalipse.
O diretor lituano Laurynas Bareisa não explica muito em seu intrigante quebra -cabeças “afogando seco”. Em vez disso, ele constrói a tensão da história constantemente com fotos perturbadoras semelhantes a vigilância (quem está assistindo quem?) E mantendo você em um remover dos personagens. Embora ele borrife em alguns close-ups de rostos desde o início, a maioria oferece vistas parciais ou é quase muito breve para você obter uma conta nas diferentes personalidades. No fundo da história, porém, em meio a tragédias que se desenrolam, ele corta para uma mulher (Gelmine Glemzaite) enquanto ela está colocando uma mesa. Ela parece felizmente preocupada com sua tarefa, mas Bareisa segura em seu rosto e ela transforma seu perfil na câmera, os pedaços dessa história fraturada começam a deslizar mais claramente no lugar e você vê como se parece antes que ela desapareça.
Existem notavelmente poucos close-ups de rostos no exuberante e formalmente garantido “Mad Bills a pagar (ou Destiny, Dile Que No Soy Malo)”, um destaque do festival. Cheio rápido e estalando com energia, rastreia as aventuras de Rico (Juan Collado, Wonderful), uma bomba de carisma do Bronx, de 19 anos, tentando descobrir a vida. Por isso, está dizendo que ele parece dormindo no primeiro tiro, uma boa configuração para a maioridade. Em meio ao amoroso, às vezes clamor combativo de sua vida doméstica, Rico tenta fazer a coisa certa (a influência de Spike Lee é conspícua), faz escolhas ruins e engraçadas e ganha seu coração. Não é até o fim, quando a realidade e a idade adulta atingirem, que o diretor Joel Alfonso Vargas – Lembre -se do nome desse garoto de Nova York – realmente se estreita no rosto suave e macio de Rico e você vê como é quando uma criança precisa se tornar um homem.
Novos diretores/novos filmes acontece de quarta a 13 de abril no Lincoln Center e no Museu de Arte Moderna. Mais informações em newdirectors.org.
