Primeiro para Tefaf Maastricht, os visitantes da feira deste ano encontrarão um estande dedicado inteiramente à arte das Primeiras Nações da Austrália. O show está programado para apresentar mais de uma dúzia de artistas, trabalhando da década de 1960 até os dias atuais, fornecendo um quadro amplo do movimento artístico indígena contemporâneo.
O povo indígena da Austrália tem uma tradição artística há milhares de anos, com Arte rupestre datada de cerca de 30.000 anos atrás. O que será visto no estande, no entanto-de pinturas de cascas de eucalipto, coletadas em meados do século XX, até as telas de Emily Kam Kngwarray e Mick Namarari Tjapaltjarri-é a adaptação e a inovação, quando os artistas começaram a pintar para uma audiência e a abraçar novos meios.
Criados no contexto do colonialismo do século XX, essas obras de arte afirmam identidade cultural e honram terras, totens e rituais ancestrais.
A exposição em Tefaf, de 15 a 20 de março, está sendo apresentada por D’An Lan Contemporary, uma galeria com sede em Melbourne, Austrália, em um momento de reconhecimento crescente da arte australiana aborígine.
No ano passado, o artista indígena australiano Archie Moore Ganhou o Lion Golden na Bienal de Veneza com uma instalação que incluía uma enorme árvore genealógica. No final deste ano, a Galeria Nacional de Arte em Washington sediará um Exposição em larga escala de mais de 200 obras de arte aborígines, que farão turnês pelos Estados Unidos e Canadá.
“A arte construiu pontes importantes entre os aborígines e o mundo em geral”, disse Philip Watkins, um homem de Arrennte, Warumungu e Larrakia Heritage, e o diretor executivo da Desart, uma organização que representa centros de arte de propriedade aborígine na Austrália, em uma entrevista por telefone.
Embora não esteja diretamente envolvido com a exposição Tefaf, Watkins disse que “muito é devido” aos artistas reunidos – todos agora falecidos. “A arte indígena contemporânea se tornou a maneira pela qual o mundo está disposto a ouvir o que temos a dizer”, disse ele.
Os latidos de Mudjinbardi
Com sua impressionante paleta de cores branca sobre marco, uma coleção de oito pinturas de casca de eucalipto certamente se destacará no estande. As pinturas foram feitas por Baimunungbi (também conhecidas como Jacky), Diidja, Lanyirrda (também conhecidas como Billy) e Djurrurubiga, quatro homens da comunidade Mudjinbardi em Arnhem Land, Território do Norte, a leste de Darwin.
Feito com ocre branco e amarelo, as figuras alongadas nas obras representam Namarnde, seres que têm habilidades além da capacidade humana. Na cosmologia da terra do oeste de Arnhem, esses espíritos poderiam assumir a forma humana e se comportar imprevisivelmente – às vezes malévolos – em relação aos seres humanos.
“Chegou a hora de pinturas precoces de casca como essas são reconhecidas como finas obras de arte, não apenas na Europa, mas em todo o mundo”, disse Luke Scholes, diretor da D’Alan Contemporary, em entrevista por telefone do Território do Norte da Austrália. “São obras de artistas altamente qualificados e profundamente conhecedores”, acrescentou.
Durante grande parte do século XX, pinturas e esculturas feitas por artistas aborígines foram vistos como as chamadas curiosidades etnográficas, em vez de belas artes. Scholes observou que essa coleção de cascas marcou uma exibição rara na Europa.
Mick Namarari Tjapaltjarri
Juntamente com essas pinturas iniciais da casca, pendurarão “Wallaby Sign for Men and Women” (1972), um trabalho pequeno, mas importante, de Mick Namarari Tjapaltjarri – uma das figuras mais significativas na arte contemporânea australiana indígena.
Tjapaltjarri, um artista de Pintupi, começou a pintar em 1971 no assentamento de Papunya, a oeste de Alice Springs, onde ele e outros artistas começaram a transferir seus designs tradicionais e histórias sonhadoras para mídias mais permanentes, como tabuleiro e tela com acrílicos. O sonho, ou tjukurpa (em Pintupi), é o momento em que os seres ancestrais viajaram, moldaram a paisagem natural e criaram a vida.
“É um privilégio absoluto mostrar essa obra de arte”, disse D’An Davidson, fundador da galeria, em entrevista por telefone. “É uma das primeiras pinturas em que você vê esse estilo aborígine tradicional dando um salto para um meio contemporâneo”.
O trabalho foi pintado em Papunya, emoldurado em Melbourne, e acabou em uma coleção particular no Texas antes de ser consignado a D’An Lan Contemporary.
Algumas das pinturas compradas durante esse período foram compradas por americanos trabalhando na Pine Gap, disse Scholes, referindo -se a uma base militar fora de Alice Springs, administrada pelos australianos e americanos.
Enquanto a comunidade de Papunya se tornou conhecida por suas pinturas de pontos – um dos estilos mais famosos da arte australiana indígena – Tjapaltjarri criou “placas de Wallaby para homens e mulheres” antes que os antecedentes pontilhados se tornassem padrão. Sua peça usa um contraste impressionante, um fundo preto do qual os ícones ousados saltam, para representar os movimentos de um wallaby ancestral e uma cerimônia sagrada.
Tais rituais ocorreriam no local de nascimento de Tjapaltjarri, Marnpi – um lugar que serviu como uma fonte interminável de inspiração para ele.
“Este é o lugar de sonho de canguru vermelho. Este é o lugar de Kangaroo Hills. Este é o Owlet Nightjar (local) ”, ele refletiu em sua terra natal em uma entrevista de 1984 com John Kean.
Emily Kam Kngwarray
A maior estrela desta exposição é Emily Kam Kngwarray, uma artista de Anmatyerr da região de Utopia que elevou a arte indígena contemporânea a novos patamares, apesar de apenas pintar a tela durante os oito anos finais de sua vida. Sua produção foi extraordinária – ela criou cerca de 3.000 obras, ou sobre uma pintura diariamente, de acordo com o Museu Nacional da Austrália.
Em “Untitled – Summer Transition” (1991), a tela brilha com cores e vida, enquanto os pontos em camadas de Kngwarray em branco, amarelo e índigo evocam o terreno do deserto, vivos com a vegetação – imaginando a recompensa botânica de sua pátria ancestral na virada da temporada. As atividades de um emu errante, sagradas para o seu povo, são desmembradas.
Kngwarray nasceu por volta de 1910 em Alhalkere, no deserto da Austrália Central, a cerca de 140 milhas a nordeste de Alice Springs. Muito antes de se voltar para a tela, ela expressou seu conhecimento cultural através de outros meios visuais. Notavelmente, ela trabalhou com Batik, um método de criação de padrões em tecido usando tingimento resistente a cera.
Em uma entrevista de 2010 com Jennifer Green, uma especialista em linguística e candidata de pós -doutorado, Kngwarray explicou sua transição para a tela em termos pragmáticos: “Não queria continuar com o trabalho duro necessário – fervendo o tecido repetidamente, iluminando incêndios e usar todo o sabão em pó. É por isso que desisti de Batik e mudei para a tela – foi mais fácil. ”
Central para sua comunidade era cerimônias Awelye, nas quais as mulheres se reuniram em música e dança, e pintaram sua parte superior em padrões que refletiam a cultura de Alhalker. São esses padrões retratados em “Awelye II” (1995), que abandonam o trabalho de ponto em favor de um emaranhado de linhas serpentinas. Eles retratam o sistema radicular do inhame lápis – uma planta totêmica central para o sistema de crenças de seu povo e até seu próprio nome. Segundo Green, Emily era a “nome de Whitefeller” do artista, enquanto para os povos indígenas, seu nome era Kam – um termo indígena para as sementes e vagens do inhame.
Quando ela estava viva, seu nome foi escrito como Emily Kame Kngwarreye. Em 2023, a Galeria Nacional da Austrália adotou a nova ortografia – Emily Kam Kngwarray – depois do que descreveu como extensa consulta com a comunidade do artista e com Green. Outras instituições e galerias seguiram o exemplo.
Kelli Cole, uma mulher de Warumungu e Luritja, é a curadora sênior do Exposição Emily Kam Kngwarray na Tate Modern Em Londres, na abertura de 10 de julho – a primeira grande vitrine européia do trabalho de Kngwarray. Ela observou que Kngwarray não era apenas uma artista talentosa, mas também uma empresária. “Ela sabia exatamente o que estava fazendo quando estava pintando e ganhando prêmios”, disse Cole por telefone.
Embora não esteja envolvido com a exposição Tefaf, Cole disse que a exibição na Europa teria sido um ponto de orgulho para os artistas apresentados.
“Esses artistas se orgulhavam de ver seu país nas paredes”, disse ela. “Isso não está dizendo apenas na cidade local onde eles pintaram, mas nas principais instituições nacionais e internacionais”.
Se eles estão vendo um trabalho de Kngwarray em Londres ou uma casca de Mudjinbardi em Maastricht, Cole pediu ao público que se lembrasse de outra coisa: “Você está vendo uma cultura viva antes de você”, disse ela. “Essas cerimônias Awelye ainda estão ocorrendo.”
