O show de Valentino ocorreu em um banheiro.
Ou não um banheiro, exatamente, mas uma grande caixa no pátio do Instituto du Monde Arabe construído para parecer um grande banheiro público sem gênero. Um alinhado em banheiros e pias (sem mictórios) e vermelho brilhante Valentino vermelho. Os modelos emergiram das barracas do banheiro na íntegra, valentino por alessandro-Michele Glória: vestidos de renda longa com rostos de gatos no tronco ou cintura e ternos de saia burguesia curtos sobre shorts de bicicleta; calças de bolinhas com gravatas florais; Balaclavas e bolsas em abundância.
Por que? Bem, de acordo com Michele, isso tinha a ver com o que ele chamou de “metatheater” da intimidade e o espaço liminar, onde transformamos nosso eu privado em nosso eu público através do vestido. Embora um cenário que sugira uma marca, ou pelo menos sua herança, esteja no banheiro talvez não seja a metáfora que ele realmente deveria estar buscando.
Em vez disso, parecia mais um exemplo potente do problema atual com os teatros amadores da Fashion.
Era uma vez esse tipo de dramatização de fantasia emoldurou um ponto maior; Um que deu uma história de origem às roupas e criou uma conexão emotiva deslumbrante. Ou assim foi na virada do Millennium quando esses tipos de produções transformaram as passarelas de Alexander McQueen e John Galliano, The Masters of the Craft (é por isso que esse Galliano Margiela Couture de janeiro de 2024 ainda é um ponto de referência).
Cada vez mais, no entanto, à medida que os shows se aproximaram cada vez mais do entretenimento, os designers parecem ter perdido de vista essa conexão, usando histriônicos visuais e grandiosidade para chamar a atenção (e romper o caos das mídias sociais), em vez de focar na razão pela qual as coleções existem no primeiro lugar: oferecer proposições sucintas para que queremos olhar a seguir. É como se eles acreditassem que, com decoração suficiente, ninguém notará que eles realmente não tenham tido novas idéias.
Como Demna, o designer monônimo de Balenciaga e anteriormente um dos grandes praticantes de stagecraft de moda disse após um programa focado em “padrões”: “Vivemos no momento em que todo mundo quer ser um personagem principal. Mas o traje é algo com o qual tenho um problema atualmente, porque isso não me faz sonhar. ”
É apenas uma distração, quando o que está acontecendo além das pistas é mais do que distrair o suficiente.
Pompa e pterodáctilos
Esse problema foi claramente aparente no McQueen Show, onde o designer Seán McGirr, em seu terceiro passeio pela marca, parecia estar fazendo o possível para passar pelos antigos movimentos de McQueen. Ele obedientemente construiu um conjunto elaborado que incluía um imponente gabinete de mogno como algo fora do país das maravilhas, completo com uma escada para lugar nenhum e um túnel espelhado, como se um buraco de minhoca de outra dimensão (talvez Dickens ‘Inglaterra). Então ele também o previu obedientemente com uma série de donzelas e dândies em chiffon com babados, jaquetas de ombros afiados, banhos altos e roupas noturnas incrustadas de ouro.
As jaquetas de tosquinas tinham colares de asas tão grandes, um modelo, foi temporariamente cego por uma aba e bateu na borda do buraco de minhoca. O efeito foi “Game of Thrones”, situado na corte da rainha Victoria, com uma dose de Saint Laurent, mas havia uma suspensão em sua essência. Muito som e brocado, significando não muito. Ou não muito que parecia relevante para hoje.
Esse foi certamente o caso em Valentino, onde o maximalismo de marca registrada de Michele estava em plena exibição. Como estavam, graças a vários vestidos de renda pura e corpos não criticados no topo de mais calças justas, corpos, muitos deles dolorosamente magros. É difícil se concentrar na elegância de um vestido de veludo preto de pescoço alto, cortado para cair até a cintura na frente, quando você se distraia com os peitos salientes da mulher dentro.
Escondidos sob a grandeza estavam realmente algumas idéias potencialmente convincentes: o eufemismo de um bustier metálico usado com um velho par de jeans; Um terninho xadrez perfeitamente cortado, com apenas uma banheira de penas no pescoço. Mas eles eram difíceis de ver em meio a todo o cenário de alfaiataria.
Assim como, na Dior, o fato de Maria Grazia Chiuri ter uma proposta de moda, e bastante boa, foi perdida na paisagem dos sonhos surreal de uma colaboração com Robert Wilson, o diretor experimental e dramaturgo.
O resultado foi um show em cinco atos, envolvendo um dublagem sonoramente entoando “Era uma vez … Era uma vez”, alguns lasers, asteróides iluminados em vermelho de sangue que caíram de cima e icebergs de cristal espalhados que surgiram do chão. Havia um pterodáctilo voador.
Ah, sim – e havia roupas. Em grande parte “derivado de” Orlando “: calças, dupletos, camisas com babados e redingotes, principalmente em preto, branco e o bege de linho áspero. Mas eles também eram inteligentes, porque, como a Sra. Chiuri revelou em uma prévia, aqueles grandes babados e punhos crocantes, os babados no pescoço e nos espartilhos da cintura, eram todos destacáveis, permitindo que o usuário se adapte a sua aparência. Assim como o que se assemelhava a Lacy Nothings eram na verdade malhas, e os casacos da camuflagem eram Jacquard. Essas são peças que devem ser vistas perto para serem apreciadas, embora, na bomba do show, pareciam chatos.
Mas ei: Olhe para o pterodactyl!
VERUDENTES DE BOSTAGEM
É precisamente essa atitude que tornou o show de Balenciaga tão inesperado. Demna, cujo show pronto para uso de outubro de 2024 ocorreu em uma mesa de 154 pésdesta vez, despojou todos os teatros, criando um labirinto estreito de corredores pretos com cortinas, melhor para enquadrar o que era essencialmente uma retrospectiva de carreira de Balenciaga-isings. Um não é exatamente calculado para reprimir a especulação de que esse poderia ser seu show final para a marca, mas que funcionou como um lembrete de como ele subverteu o status quo nos últimos 10 anos e mudou a moda.
Havia ternos de banqueiros (há algum tipo de tendência de consumo de escritório) com as rugas e os orifícios de mariposa embutidos, o ajuste ligeiramente aprimorado para ser menos constitante, mas não menos adaptado. Um vestido de capuz azul de periwinkinks que varreu o chão como o famoso vestido de noiva de 1967 da casa. E um soprador lilás acolchoado em um espartilho.
Havia as roupas de rua necessárias, um pouco mais lânguidas do que o habitual. Também uma colaboração do Puma; um capuz rotulado como “luxo”; vestidos de natação tolos que eram essencialmente roupas de banho com trens; e casacos noturnos – incluindo outro soprador – com a grandeza de Couture. Como um todo, era direto e apostou em seu território.
“Os padrões são as coisas mais difíceis de fazer”, disse Demna nos bastidores. Ele estava usando um de seus ternos, em vez de sua camiseta de tamanho grande habitual, e se referiu ao seu novo visual como “Demna 2.0”. Foi uma piada, mas também um significante. Um reconhecimento de que ele entendeu que foi um momento para se afastar e se concentrar.
“É fácil colocar uma cadeira na cabeça e fazer arte vestível”, disse ele, “mas o que eu quero fazer agora é apenas fazer ótimas roupas para alguém que as entende usando -as. Para fazer uma jaqueta com duas mangas que ficam boas em muitas pessoas diferentes – isso é, para mim, moda em seu estado mais importante. ”
Ele está certo.
