Existe algo muito alto para ser um artista? Christina Ramberg, O assunto de uma retrospectiva de longa data no Museu de Arte da Filadélfia, estava com 1,80m e considerou sua altura um passivo. Ela cresceu na era Eisenhower, quando a mulher americana comum tinha 1,80m e aspirava ter uma figura de ampulheta e costurou suas próprias roupas, já que os tamanhos padrão não se encaixavam. Como se quisesse de alguma forma encolher -se, ela pintou imagens do corpo feminino restringido pelo tecido – espartilizado, apertado, cingido e até amarrado.
Por uma boa coincidência, Cecily Brown, Uma geração mais jovem que Ramberg e o assunto de uma retrospectiva na Fundação Barnes, nas proximidades, também é um devoto da figura humana – mas não ligada. Se as imagens de Ramberg evocam um período em que as mulheres foram amarradas a papéis tradicionais e modas restritivas, o mundo de Brown é exatamente o oposto: sem severas e desinibidas.
Brown é conhecido por exuberantes semi-astrações, nas quais nus reluzentes nas gradações em mudança de salmão rosa aparecem em florestas francesas e em outros locais distantes. Os dois artistas não poderiam ser mais diferentes, mas seu trabalho está repleto de eros, emoção e audácia pintora, e transformou o Benjamin Franklin Parkway da Filadélfia, o local de ambos os museus, em uma capital temporária do olhar feminino muito horrível.
Ramberg, que morreu em 1995 e permanece sob o conhecimento, era oficialmente um imagista de Chicago, um dos artistas figurativos de uma dúzia que definiram seu trabalho em oposição a Nova York, a cidade número 1 do país. Abstração rejeitada, o Chicago imagina que trabalhou nas margens do desenho animado e do surrealismo. Eles perseguiram as bordas ásperas e muitas vezes atrevidas da cultura americana com um zelo que fez a arte de ambas as costas parecerem relativamente educadas.
O trabalho de Ramberg é fácil de reconhecer, mesmo da próxima sala. Ela pintou imagens cortadas, centralizadas, criadas com fastidiosamente, que isolavam uma mão feminina ou um penteado vintage contra um chão em branco, como se fosse transformá -las em emblemas heráldicos. E ela pode ser chamada de conhecedor de roupas íntimas. Com detalhes quase devocionais, ela capturou a textura de diferentes tecidos, contrastando o brilho suave e azul-preto de bandas de cetim com os complexos padrões incorporados em rendas. Suas cores, em comparação com os tons gritantes de outros imagistas, tendem a ser macios e abafados, com ênfase em beges de pêssego e lavanders acinzentados que lembram os escorregões das mulheres.
Seu trabalho pode colocar você em mente de Roy Lichtenstein, com seus assuntos nostálgicos e esboços grossos de desenhos animados. Ele e Ramberg fizeram pinturas memoráveis de uma mão feminina levantada para exibir seus dedos brancos delgados e unhas pintadas de vermelho.
Uma série hipnotizante de Ramberg de três pequenas pinturas de 1971, “(sem título) Hand”, mostra uma mão sinuosa e quase sem-ou sem-ousada se ligando em um comprimento de pano que se afasta em uma luva. No lugar da piada pop de Lichtenstein, seu trabalho parece psicológico e interior. Ramberg era adepto de transformar os clichês visuais de desenho animado em uma linguagem totalmente pessoal, e sua influência pode ser sentida no trabalho de pintores tão diferentes quanto Elizabeth Murray, Amy Sillman e Julie Curtiss, que passaram algum tempo em Chicago.
Nascido em 1946 em Fort. Campbell, Ky., Ramberg se moveu com frequência. Seu pai era um oficial de alto escalão no Exército dos EUA, e sua mãe era professora de piano. Ela acreditava que seu pai (seu primeiro crítico) a via como “desajeitado e pouco atraente”, como ela escreveu mais tarde, e ela atribuiu sua auto-imagem negativa a ele.
Depois que sua família se estabeleceu na área de Chicago, ela frequentou a Escola do Instituto de Arte de Chicago. Mais tarde, ela se juntou à faculdade e serviu como chefe do departamento de pintura. Ela se casou com um colega artista e Chicago Imagist, Phil Hanson. Eles se separaram em 1980, mas Hanson voltou a cuidar dela em 1989, quando ela foi diagnosticada com demência de início precoce. Ela morreu seis anos depois, aos 49 anos.
Uma das fascinações de sua curta carreira é sua devoção ao mesmo repertório limitado dos sujeitos. “Hair” (1968), seu show de tese de graduação, consiste em uma série de 16 painéis pequenos, quadrados e verde-oliva, que cada um descreve a parte de trás da cabeça de uma mulher elegante, com penteados que são de várias formas, entalhados, entalhados ou enrolados e tapados por uma mão bem cuidada. De quem é a cabeça? Impossível saber, mas eu tive uma visão tremer do jovem Ramberg observando a parte de trás da cabeça de sua mãe enquanto ela tocava piano, pressionava em silêncio naquela época quando as crianças eram vistas e não ouvidas.
Na década de 1970, as pinturas de Ramberg derramaram seu sabor retrô e começaram a cortejar grotesquistas figurativas. A exposição culmina em uma sala tocada com pinturas de torso em larga escala, cada uma com cerca de quatro pés de altura e dominada por Uma figura de ação com ombros largos, uma cintura pequena e sinais de quebrantamento. “Sleeve problemática” parece um sonho ruim, com seus quatro órgãos em forma de picles brotando por baixo de uma mulher, os cintos e torneios de feridas fortemente, derrotando seus esforços para controlar seu corpo.
A Filadélfia é a única parada da costa leste do show de Ramberg, que foi organizado pelo Art Institute of Chicago. Seu trabalho nunca foi avaliado adequadamente por um museu de Nova York, talvez como resultado do viés geográfico que frequentemente afligia artistas americanos que trabalham fora de Nova York. A boa notícia é que a situação provavelmente melhorará em setembro, quando o Museu de Whitney contará com Ramberg e outros Chicago imaginam em “Sixties Surreal”, um repensado de mais de 100 artistas cujo trabalho foi inicialmente eclipsado pelas superfícies brilhantes da arte pop.
As melhores pinturas de Cecily Brown levam tempo para ver
O assunto de um show bonito e de alto espírito na Fundação Barnes, Cecily Brown não corre o risco de ser esquecido. Agora com 56 anos, o pintor nascido na Britânica é uma das figuras de sinalização da cena de Nova York, tendo sobrevivido às controvantes da fama e se estabeleceu como uma artista de seriedade irrefutável.
Em 2023, ela recebeu uma exposição no Metropolitan Museum of Art, “Death and the Maid”, uma demonstração temática de obras que lamentam a brevidade da vida; Foi calçado em um espaço muito pequeno. A retrospectiva de Barnes, por outro lado, que foi organizada com o Museu de Arte de Dallas, não é grande – compreende apenas 30 pinturas e desenhos relacionados – mas abrange sua carreira e parece expansiva. É interessante ver suas pinturas iniciais, uma vez mal mesmos, como “Untitled” (1996), cujo círculo de coelhos corcunda, em tons de ouro e azul, hoje poderia passar por uma cena de fogueira relativamente saudável.
Faz sentido que os museus apreciem Brown, porque ela aprecia os museus e as obras-primas européias. Ela dificilmente é a única artista a invadir a história da arte, bem como a cultura pop de inspiração – uma das atividades definidoras do pós -modernismo – mas o faz com uma inteligência e um ardor que são inteiramente dela. Ela não está interessada em reciclar o passado para lamentar o presente exausto. Em vez disso, ela é uma espécie de explorador de artistas, sentindo o seu caminho, como se os olhos pudessem entrar, para cenas de Legas ou Goya, nas cenas de jardim de Fragonard ou naufrágios de Delacroix ou cenas robustas de caça pelos Snyders, menos conhecidos, Frans Snyders.
No processo, ela recicla a figuração como abstração, colapsando a linha do tempo da história da arte em um léxico expressionista único de linhas de chicote e espirais de pinceladas. One of her gifts, as we see in works ranging from the riotous, red-smeared surface of her 25-foot-long hunting epic “The Splendid Table,” to a riveting, small-scale bedroom scene, titled “Body (After Sickert),” is the way Brown dramatizes the act of looking at art, the process by which we — the viewer, standing before an unfamiliar painting — take it apart with our eyes and then reassemble isto.
Suas melhores pinturas e desenhos levam tempo para ver, e o show de Barnes teria se beneficiado de bancos. “Selfie” (2020), um dos destaques, aprofunda quanto mais você olha. A pintura nos leva a uma sala de teto alto e de alto teto, onde uma figura nu proferida como uma onda de carne rosa reclina em uma cama de ferro. Ou existem dois nus – uma mulher de costas e um homem barbudo de bruços ao lado dela, perdido em seus próprios pensamentos? Em torno deles, as pinturas são penduradas no estilo salão, cobrindo cada centímetro de espaço na parede. Os móveis, que incluem um relógio alto do avô, sugerem que a sala é um estúdio europeu do século XIX ou uma galeria de fotos que parece um pouco caótica. As dezenas de molduras penduradas na parede formam uma confusão de retângulos que emitem uma energia trêmula, como se fossem abalados por um terremoto.
Olhando para a “selfie”, você pode sentir que ecoa sua própria situação em meio aos Barnes, suas paredes lotadas de chão ao teto com obras -primas de Cézanne, Matisse e Renoir. Há tantas pinturas no mundo, mais do que jamais podemos ver, mas como o trabalho de Brown nos exorta, tire uma foto de cada vez e parece o mais pesquisador possível.
Christina Ramberg: uma retrospectiva.
Até 1º de junho, o Philadelphia Museum of Art, 2600 Benjamin Franklin Parkway, Philamuseum.org.
Cecily Brown: Temas e Variações
Até 25 de maio, a Fundação Barnes, 2025 Benjamin Franklin Parkway, Filadélfia, Barnesfoundation.org.
