‘Nickel Boys’ desperta a revolução temporal do cinema negro


Ao dobrar o tempo e apoiar-se na narrativa não linear, “Nickel Boys” junta-se a uma tendência recente de cineastas negros contemporâneos que abandonam o impulso de enquadrar as histórias negras cronologicamente.

Adaptado do romance vencedor do Prêmio Pulitzer de Colson Whitehead, “The Nickel Boys”, o filme de RaMell Ross conta a história de Elwood (Ethan Herisse), um garoto negro idealista enviado injustamente para um reformatório abusivo na Flórida chamado Nickel Academy (baseado no real- vida Escola Arthur G. Dozier para meninos). O filme é rodado principalmente do ponto de vista da primeira pessoa, mas seu olhar ousado não é seu único grande golpe. Este é um trabalho inventivo e não linear cuja história utiliza intuitivamente imagens estáticas e filmagens de arquivo para saltar do movimento dos direitos civis dos anos 1960 para os anos 2000.

Essa ruptura cinematográfica não está presente apenas em “Nickel Boys”. Também pode ser observado em filmes como “Mil e Um,” “Todas as estradas de terra têm gosto de sal” e “Tempo,” pesquisas incalculáveis ​​​​sobre a vida negra que parecem inextricavelmente ligadas à longa duração da pandemia e ao tumulto de Black Lives Matter. O surgimento desses filmes de aventura significa uma revolução temporal imperativa no cinema negro.

Em “Nickel Boys”, testemunhamos a amizade próxima, mas complicada, de Elwood com Turner (Brandon Wilson), um adolescente desiludido e bem ciente da destruição selvagem de corpos e mentes negras pela Nickel Academy. No primeiro terço do filme, filmado na perspectiva de Elwood, sentimos o calor dos abraços de sua avó, Hattie (Aunjanue Ellis-Taylor), vemos como as outras crianças do Nickel o avaliam e ouvimos o zumbido do ventilador industrial que significa destruição no reformatório. A imersão no ponto de vista de Elwood força todos os espectadores a ocuparem um olhar negro e os espectadores negros a enfrentarem a angústia compartimentada.

Mais tarde, Ross perturba os espectadores novamente ao mudar de ponto de vista durante uma cena ambientada em uma cafeteria. Na primeira parte da sequência, vista da perspectiva de Elwood, Turner fica chocado com a paixão com que Elwood devora a comida do refeitório. Ross então corta para uma cena reversa em um vagão de carga onde as estações parecem retroceder. Ross e seu diretor de fotografia, Jomo Fray, então audaciosamente mudam para o ponto de vista de Turner, repetindo a cena através de seus olhos. Essa mudança de perspectiva revela-se vital para a noção de tempo do filme, abrindo a possibilidade de que a nossa experiência destas vidas negras, seja visual ou temporalmente, seja instável e necessite de reparação.

Semelhante ao documentário de Ross “Condado de Hale, esta manhã, esta noite,” que combinou as imagens e sons de uma comunidade negra do sul em uma mistura que distorceu o tempo e evitou a categorização narrativa fácil, o uso pesado de montagem neste filme, uma edição que distorce a narrativa técnica, demonstra a capacidade do tempo de registrar e ressignificar a vida negra.

Em uma montagem reveladora no final do filme, Ross retrata a vida de Elwood através de cenas invertidas, fotos de identificação do governo, fotos de família e fotos dos rostos negros esquecidos do Nickel. Uma reviravolta durante a cena, relacionada à identidade de um personagem, ilustra as limitações da subjetividade e as coisas efêmeras utilizadas para definir a biografia de uma pessoa. O filme cria um paradoxo surpreendente de viver simultaneamente traumas passados ​​e presentes.

A aplicação do tempo em “Nickel Boys” inspira-se no ritmo cinético da vida negra, um ritmo intrínseco que inspirou o espírito do jazz, deu origem ao Renascimento do Harlem e deu origem ao Movimento das Artes Negras. O filme vai contra a narrativa linear de “filmes de corrida”, blaxploitation ou Novo Cinema Negromovimentos cinematográficos que confrontaram as questões sociais do momento e relembraram os crimes brutais do passado.

A abordagem de Ross ao tempo também está enraizada em seu ensaio de 2019 de Filme Trimestral“Renovar o Encontro”. Nele, ele escreveu: “O tempo se torna o novo meio, um relógio que mede a longa fala macro de um gesto racial deixado de fora”. O tempo concede a Ross uma tela para pintar a vida negra através de memórias evocativas cujo posicionamento temporal disperso desafia a fácil definição, inspirando os espectadores a desenvolver um significado pessoal a partir dessas imagens recém-contextualizadas.

Mas a flexão e fratura de anos e segundos de Ross não é totalmente nova no cinema negro. O afrofuturismo durante a década de 1970 estabeleceu-se como uma força desestabilizadora que continua até hoje. E em Los Angeles, os cineastas negros da Rebelião de Los Angeles também enfrentaram a pressão do tempo na vida dos negros. As vinhetas cheias de tensão de “Killer of Sheep” (1978), de Charles Burnett, as imagens oníricas e a narrativa não linear da narrativa Gullah de Julie Dash, “Daughters of the Dust” (1991), e o tortuoso período de várias décadas de um homem ouvinte e surdo o amor da mulher em “Compensation” (1999), de Zeinabu irene Davis, rompeu com os modos tradicionais de contar histórias.

Embora os cineastas da Rebelião de Los Angeles tenham obtido um sucesso limitado e amplo – “Killer of Sheep” foi aclamado no Festival Internacional de Cinema de Berlim, “Daughters of the Dust” ganhou um prêmio em Sundance e “Compensation” recebeu uma indicação ao Independent Spirit – a indústria criou pouco espaço pela linguagem visual e temporal irrestrita desses diretores pioneiros.

O sucesso desta onda atual parece diferente porque os diretores AV Rockwell, Raven Jackson e Garrett Bradley conquistaram grandes investimentos de distribuidores. “A Thousand and One”, de Rockwell, lançado pela Focus Features, cria uma perspectiva poderosa dos efeitos debilitantes da gentrificação sobre os residentes negros no Harlem, incluindo notícias de arquivo que criticam o excesso de policiamento e visões de construção comercial invasiva. “All Dirt Roads Taste of Salt”, de Jackson, distribuído pela A24, confunde o modelo da maioridade usando uma estrutura poética de fluxo livre para recontar a vida de Mack, uma garota negra que luta contra a perda, o amor e a memória no Mississippi. E “Time”, de Bradley, da Amazon Studios, mistura as fitas mini-DV de seu modelo, Fox Rich, com entrevistas atuais para demonstrar os danos de anos que o encarceramento desumano de seu marido causou ao seu casamento e aos seus filhos.

Esses filmes ensaístas são importantes não apenas porque veem através de lentes negras, mas também por causa de sua forma idiossincrática e estilo libertador. No topo dessas inovações estão trabalhos de diretores consagrados, como a antologia “Small Axe” de Steve McQueen, “Origin” de Ava DuVernay e “Underground Railroad” de Barry Jenkins, que quebram igualmente os moldes temporal e cinematográfico.

Embora alguns desses filmes tenham começado a ser produzidos pouco antes da pandemia, é intrigante vincular o resíduo desse evento que alterou o tempo e o alvoroço de Black Lives Matter após o assassinato de George Floyd em 2020 a esta onda de arte cinematográfica negra. Embora o tempo sempre tenha marcado a dor de Black – desde a data e hora no vídeo de Rodney King até os anos não vividos de Trayvon Martin – os dias, no entanto, pareciam mudar de forma diferente de 2020 a 2021. A era pós-racial prometida pela eleição do presidente Barack Obama acabou se tornou uma realidade sombria: enquanto os rostos da tia Jemima e do tio Ben foram substituídos cosmeticamente, as imagens de violência contra corpos negros dominaram os feeds das redes sociais e tornaram-se enraizadas na vida dos negros. almas.

Mas o progresso racial não poderia ser medido apenas pela passagem do tempo. Como resultado, filmes como “Nickel Boys” não olham para o passado, o presente ou mesmo o futuro em busca de libertação. Eles procuram romper formas e normas, contando as suas próprias histórias no seu próprio tempo e no seu próprio ritmo.



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